Características principales del teatro. El teatro y sus géneros. La estructura de una obra dramática.

Bases teóricas estudio de teatro

El estudio teórico del drama comienza desde la época de Aristóteles, quien formuló los postulados canónicos de las ideas tradicionales sobre el drama y sus principales géneros a partir de observaciones del antiguo teatro griego del período clásico. Mientras las formas de arte se orientaron hasta cierto punto hacia los modelos clásicos y las ideas estéticas tradicionales, la teoría aristotélica del teatro no cambió drásticamente. La situación cambió en el siglo XX con el advenimiento de la era de la modernidad, en relación con la cual surgió la necesidad de una nueva justificación teórica para diversos tipos de cuestiones (filiación genérica, características del género, esencia estética, el problema de la autoría, etc. .).

Uno de los problemas que surgen en el proceso de enseñanza escolar es la distinción entre los conceptos de "drama" y "dramatología".

El concepto de "drama" en fuentes científicas se interpreta sin ambigüedades (basado en la tradición de Aristóteles): "uno de los tres tipos de literatura (junto con la épica y la letra). El drama pertenece al teatro ya la literatura a la vez: siendo el principio fundamental de la representación, también se percibe en la lectura.

En algunas fuentes, se intentó establecer uno de sus principios estructurales en la definición de drama, por ejemplo: "una especie de obra literaria en forma dialógica, destinada a la representación escénica". Afirma además que el drama, "como otras formas de arte, es una de las formas de conciencia social". V. E. En su investigación, Khalizev entiende el drama como “una forma significativamente significativa de arte verbal”, y su finalidad escénica pasa a un segundo plano.. Esto plantea la cuestión de qué es el drama: "un tipo de obra literaria" o, más ampliamente, "una forma de arte", y cómo este concepto se relaciona con el concepto de dramaturgia.

Investigador I. N. Chistyukhin considera el drama como un concepto puramente estético, que revela un cierto grado de lucha intensa en la existencia de un individuo. La esencia de esta lucha no está en la muerte o la derrota trágica (como en la tragedia), ni en ridiculizar algo (como en la comedia), sino en el conflicto mismo, que representa la tensión de la existencia humana. Es decir, en el sentido más amplio, el drama es un concepto estético.

En el diccionario de términos teatrales de P. Pavi, el drama se interpreta como "un texto escrito para varios papeles y sobre la base de una acción de conflicto". Es decir, el drama se entiende como un texto dramático específico escrito para la encarnación teatral.

Tanto en estudios literarios como teatrales, el término "drama" se utiliza para indicar un género especial de dramaturgia (drama burgués, drama lírico, drama romántico).

La dramaturgia surge en el momento del nacimiento del teatro y es producto del trabajo de los dramaturgos. En el diccionario de términos literarios se entiende dramaturgia, en primer lugar, como “sinónimo del conceptodrama como literato tipo o un conjunto de obras dramáticas de un escritor, dirección o época, nación, región”, y en segundo lugar, como “la trama y la base compositiva de una obra de teatro, película o película para televisión con detalles que la especifican, por regla general, pregrabados verbalmente ”. Así, los críticos literarios entienden la dramaturgia como una forma de arte interespecies creada por la comunidad de figuras de diferentes tipos de arte: escritores, compositores, artistas, actores, directores.

En la formulación moderna del concepto de "dramaturgia", los estudios teatrales pretenden ir más allá del marco de un texto literario únicamente, entendiendo la "actividad dedramaturgo, consistente en la comparación de material textual y escénico, la identificación de significados complejos del texto, la definición de interpretación, la orientación de la actuación en la dirección elegida ”(P. Pavi).

Cierta confusión terminológica surge del hecho de que la dramaturgia se encuentra en la intersección de la literatura y el teatro, por lo que proponemos, siguiendo a I. N. Chistyukhin, separar los conceptos de “drama” y “dramatología” de la siguiente manera:

Drama hay forma independiente reflejo literario y escénico de la vida, cuyo tema es una acción holística que se desarrolla de principio a fin (desde la exposición hasta el desenlace) como resultado del esfuerzo voluntario de los héroes que entran en combate con otros personajes y circunstancias objetivas. El drama es parte del proceso teatral general y un tipo de literatura como forma de arte.

Dramaturgia - 1) el arte de escribir dramas, 2) la totalidad de los dramas escritos, 3) el tipo de organización del texto artístico del drama.

Las opiniones sobre la teoría del drama, que se consideran tradicionales, se formaron a lo largo de varios siglos. Parece lógico evaluar las obras dramáticas escritas en el momento oportuno según estos cánones. Sin embargo, desde aproximadamente finales del siglo XIX hasta principios del XX, se han producido cambios mucho más significativos en la teoría del drama, lo que permite expresar la idea de la necesidad de evaluar las obras posteriores de acuerdo con otros principios. . Señalemos las principales etapas en la formación de las opiniones tradicionales sobre la teoría del drama.

"Poética" de Aristóteles, que refleja puntos de vista principalmente sobre la tragedia griega y escrita en el siglo IV. BC, penetró en Europa a finales del siglo XV. La inexactitud de la traducción del texto, así como la brevedad de las tesis formuladas por Aristóteles, dieron lugar posteriormente a múltiples interpretaciones y disputas en torno a los conceptosmimetismo ("imitación") y catarsis ("limpieza"). El principio de las tres unidades propuesto en el tratado influirá durante mucho tiempo en la composición de las obras de teatro. Las tesis de "Poética", junto con las tesis de "Epístola al Piso" ("Ciencia de la poesía") de Horacio (siglo I a. C.), la principal obra clásica reconocida en ese momento, formaron la base de los requisitos para la dramaturgia. .

El canon que se desarrolló durante el Renacimiento comenzó a cambiar en el siglo 17. El rechazo del principio de la trinidad con la preservación de solo la unidad de acción, la unificación de los signos de lo cómico y lo trágico, uno de los primeros cambios fundamentales. reflejada en la Nueva guía para componer comedias de Lope de Vega, fue posteriormente sustentada en El arte de la poesía de Nicolás Boileau. El sentido común en la poesía, como en cualquier otro ámbito de la vida, finalmente se ha colocado por encima de todo, y la fantasía y los sentimientos quedan subordinados a él.

La necesidad de reconciliar razón y sentimiento (G.E. Lessing, A. Muller, V. Hugo), realizada a lo largo XVIII - XIX siglos, así como el reconocimiento del principio de la diversidad dramática y la verdad natural, fueron los requisitos previos para el surgimiento de la teoría del naturalismo, formulada por E. Zola (prólogo a la obra "Thérèse Raquin", 1873). A su vez, la observación cercana de las personas, su comportamiento y su entorno influyó en la formación del método intelectual, rastreable en el trabajo de H. Ibsen y A.P. Chéjov.

Toda la historia de las opiniones sobre el drama indica que ocupa un lugar especial no solo en el proceso literario, sino también en la historia del teatro. Señalando la dualidad de su esencia estética, dirigiéndose al lector y al espectador al mismo tiempo, A.P. Chéjov señaló que el drama siempre atraerá la atención de muchos críticos teatrales y literarios, mientras que sus reseñas diferirán entre sí, porque el tema de análisis serán diferentes textos: literario (directamente el texto de la obra) y teatral (interpretación de el texto del guión).

Determinemos la naturaleza de la relación entre textos literarios y teatrales. La actuación no se basa en el texto de la obra, sino en el texto del guión creado a partir de ella; no se puede poner un signo igual entre ellos y reemplazar la lectura de la obra por ver la actuación.

La diferencia entre un guión como obra literaria y dramática y un texto literario radica en la descripción detallada de cada escena: la organización del espacio, el movimiento de los personajes por el escenario, sus diálogos, gestos, expresiones faciales. El propósito del guión es describir qué, dónde, cómo y cuándo debe suceder en el escenario para transmitir la idea principal. El propósito del texto literario es formular esta idea.

Hogar rasgo distintivo rendimiento es su singularidad en el tiempo. VG Belinsky creía con razón que este es "un proceso individual y casi único que crea una serie de concreciones de una obra dramática, que posee tanto unidad como diferencia".

Y aquí, como apunta el director y teórico teatral N.N. Evreinov, el texto literario tiene una ventaja sobre la representación: “El lector puede aprenderlo al ritmo que quiera, puede releer lo incomprensible, puede dejar el libro para mañana, esperando la frescura de la mañana. En el espectador, todas las condiciones de percepción textual son impuestas por el autor con rigor escolar.

Leer, a diferencia de ver una obra de teatro, no nos impone nada que vaya en contra de nuestra imaginación, para eso sirve. Sin embargo, para los lectores que no pueden imaginar al héroe o el entorno que lo rodea, la actuación será el mejor asistente. Con la ayuda del arreglo musical de la actuación, temas especialmente creados para crear la imagen del personaje, puede complementar las ideas de sus lectores, pero aquí, nuevamente, no somos inmunes a la inconsistencia con nuestras expectativas.

La ventaja indiscutible de la actuación es que es posible utilizar todos los canales de percepción (auditiva, visual y, en cierta medida, incluso táctil, olfativa). Lo principal es que todo lo que vemos y oímos no nos aleja de la tarea primordial de profundizar en el significado. Según V. P. Ostrogorsky, el maestro no puede “descuidar la situación que posee el escenario y que realza la impresión del espectador”, pero uno no debe dejarse engañar solo por los efectos escénicos.

También vale la pena señalar que la visualización de la interpretación de otra persona (del director, del actor) debe ir acompañada de una lectura preliminar (para que en cualquier momento pueda consultar el texto del autor), para obtener una mejor.

La comprensión del significado de la naturaleza dual del drama también se encuentra en las obras de K.S. Stanislavski. Escribió: “Solo en el escenario del teatro se pueden reconocer las obras dramáticas en su totalidad y esencia”, y además: “... si fuera de otro modo, el espectador no aspiraría al teatro, sino que se sentaría en su casa y lee la obra.”

crítico de arte A.A. Karyagin señala que “para un dramaturgo, el drama es más una representación creada por el poder de la imaginación creativa y fijada en una obra que puedes leer si lo deseas, que trabajo literario, que también se puede tocar en el escenario. Y no es lo mismo en absoluto".

Así, la historia del estudio de la naturaleza artística del drama nos permite hablar de la imposibilidad de considerar el drama “fuera de su propósito original de ser presentado en escena”. Por ello, a la hora de comprender una obra dramática, es recomendable trabajar con dos textos (literario y teatral), anotar los momentos de su interpenetración y tener en cuenta que la puesta en escena de una obra dramática es, por un lado, un acto artístico interpretación de un texto literario, por otra parte, una obra de arte teatral independiente, construida según leyes especiales.

La puesta en escena del drama es su característica más importante. Desde el punto de vista de R. Barth, la teatralidad, o teatralidad, es “el teatro menos el texto”, es “la densidad de signos y sensaciones” que sólo están implícitas en el texto y alineadas en el escenario.

Paisaje en un sentido amplio puede definirse como una dependencia directa del drama como género literario del teatro: el arte de la transformación artística, el reflejo de la vida en la acción dramática en vivo.

Paisaje en sentido estricto es un conjunto de propiedades específicas de una obra dramática que aseguran su idoneidad para la representación escénica. Por tanto, un drama destinado a la puesta en escena, a diferencia de los llamados "dramas de lectura" (por ejemplo, "Manfred" de J. Byron, "Prometheus Unchained" de P.B. Shelley, etc.), debe tener vivacidad, concentración de acción, relevancia del problema, escenografía (oportunidades potenciales de soluciones escenográficas) con el fin de despertar en el espectador diversos sentimientos sobre lo que sucede en el escenario. Esto se debe en gran parte a las capacidades internas de la obra que, a su vez, dependen directamente de la habilidad del dramaturgo. Por lo tanto, no es casualidad que entre los más grandes dramaturgos haya quienes estuvieron asociados profesionalmente con el teatro (por ejemplo, Shakespeare y Molière fueron actores) o estuvieron en constante asociación creativa con él (A.N. Ostrovsky y el Teatro Maly, A.P. Chekhov y el Teatro de Arte de Moscú), teatro, etc.).

En las últimas décadas, el pensamiento teórico teatral se ha visto seriamente transformado. Esto se debe en gran parte a la sensación de un nuevo contexto artístico y estético, llamado postmodernismo: el agotamiento de lo viejo, la anticipación de lo nuevo, que aún no ha tomado forma y por lo tanto es completamente incomprensible. La nueva ciencia teatral construye todo su aparato conceptual sobre los postulados de los estructuralistas, formulados en la década del 60 del siglo XX y fuertemente influidos por el posestructuralismo y la posmodernidad de la segunda mitad de la década del 70. La formulación final de la nueva teoría se puede encontrar en los trabajos de A. Übersfeld y P. Pavi, así como en varios otros científicos.

Ideas claves teoría moderna teatro, a partir de las tendencias del desarrollo general de la teoría del arte y, en particular, de la crítica literaria, se reducen a lo siguiente:

el aspecto comunicativo, es decir, la comprensión del arte como una especie de información estética que el teatro transmite al espectador a través de una representación teatral;

el aspecto semiótico, es decir, la comprensión de la naturaleza simbólica del teatro y la representación teatral;

la teoría de los actantes, de origen estructuralista, es decir, una nueva visión del personaje (el personaje, disuelto en una variedad de interpretaciones, actúa como actante);

comprensión del arte teatral como una especie de texto, producto de la creatividad no sólo de un dramaturgo, sino también de un director, actores, escenógrafos, etc.; texto, compuesto no sólo por palabras, sino también por puestas en escena, gestos, escenografía, música, luz, etc.

Este enfoque para comprender la naturaleza del texto dramático subyace a la emergente teatralidad El cambio más importante en el enfoque del estudio de la teoría del drama es que el drama se percibe como un tipo especial de arte, cuya especificidad de género está completamente determinada por el propósito de la puesta en escena. En ciencia doméstica, en línea con estas posiciones fundamentalmente nuevas sobre el estudio de un texto dramático, los trabajos de V.E. Golovchiner y N.I. Ischuk-Fadeeva.

Uno de los intentos de resolver la contradicción entre los principios normativos y no normativos de la poética dramática es el concepto del científico alemán M. Jan, expuesto en 2002 en la “Guía de Teoría del Drama” (en adelante, información sobre la autores se basa en el artículo de I.P. Ilyin “Problemas conceptuales nueva teoría del drama).

Dice que se han desarrollado tres direcciones en el estudio de la teoría del drama: "drama poético" ( drama poético ), "estudios teatrales" ( estudios de teatro ) y "leyendo el drama" ( leyendo teatro ).

Se correlaciona con la idea de poética normativa "drama poético" Se da preferencia al texto escrito (impreso) y su "lectura atenta" y, según M. Yan, sirve como la única fuente confiable, en contraste con la estructura artística en constante cambio de la actuación. El partidario de este enfoque es el neocrítico estadounidense C. Brooks.

Según el concepto "estudios teatrales" el texto de la obra no tiene ninguna existencia independiente en absoluto, y la actuación es de suma importancia en relación con el texto. Esta posición se reflejó en las publicaciones de J.L. Stein, R. Hornby, R. Levin, G. Taylor, H. Hawkins. La principal dificultad de este enfoque, que suscita justas críticas, es la imposibilidad de fijar en forma de texto impreso la esencia cambiante del carácter de una representación teatral. No puedes llevarte una actuación a casa, sacarla del estante y volver a ella una y otra vez para comprobar tus observaciones iniciales. Al recrearlo de memoria, ocurren cambios inevitables y nuevas lecturas.

A esta “incertidumbre teórica y falta de fiabilidad”, en sus propias palabras, M. Yan opone lectura de teatro. En esta dirección, el texto se percibe tanto como una obra literaria como una guía de presentación. Al mismo tiempo, se necesita un "destinatario ideal" para la implementación: tanto un lector como un habitual del teatro que evalúe el texto desde el punto de vista de su producción posible y real. Jan considera que las investigaciones de A. Übersfeld "Reading the Theatre" (1977), así como las de M. Pfister, K. Elam, D. Scanlan y otros, son los textos del programa aquí. rehabilitación de una obra literaria, así como un constante intercambio de ideas entre críticos, teóricos y practicantes del teatro. El análisis de texto está, por lo tanto, orientado al escenario.

Este enfoque parece ser el más productivo en el proceso de análisis de un texto dramático en una lección escolar. Por supuesto, entra en conflicto con el método biográfico tradicional de estudio de la obra, descrito por Sh.-O. San Beauvoye. Este método de análisis, centrado en la unidad "autor - creación - época", es bueno para trabajar la biografía creativa del escritor, la periodización de su patrimonio creativo y el análisis de obras autobiográficas. Pero en el proceso de análisis de un texto dramático, resulta poco productivo. En nuestra opinión, en el estudio escolar de los textos dramáticos es necesario tener en cuenta nuevos enfoques teatrales.

1.2. El uso de la obra dramática en la enseñanza de la literatura

La metodología para estudiar una obra dramática está determinada por las especificidades del drama: “El drama vive solo en el escenario. Sin ella, ella es como un alma sin cuerpo”, escribió N.V. Gogol MP Pogodín. Hacer que el cuerpo del drama se llene de alma es, en nuestra opinión, la tarea principal de un profesor de literatura. Varias generaciones de metodólogos y profesores de idiomas se preguntaron cómo estructurar el estudio del teatro en el aula de tal manera que cautivara a los escolares, sin permitir la simplificación y nivelación de la originalidad artística de la obra. Volviendo a la historia del tema, nos planteamos el siguiente objetivo- resumir información sobre las formas de estudiar teatro y averiguar qué métodos y técnicas para trabajar con la historia escénica proponen los metodólogos.

La atracción del teatro a la clase de literatura comenzó en el siglo XVIII no con métodos y técnicas específicas, sino con recomendaciones para la lectura y el reconocimiento de la importancia de estudiar teatro en la adolescencia. Los problemas de lectura y estudio de obras dramáticas se plantearon en las obras de M.M. Shcherbatova, N. I. Novikov y otros.

Primera mitad XIX siglo se caracteriza por la aparición de diversas tendencias que no tienen en cuenta el curso progresivo del desarrollo de la literatura realista y provocan la separación de la educación literaria de la vida. A pesar de esto, I.P. Pnin, A. F. Merzliakov, P. E. Georgievsky, V. F. Odoevsky, N. I. Nadezhdin, F. I. Buslaev.

El texto dramático se incluye en los planes de estudios para la enseñanza de la literatura, así como en libros de texto y antologías sobre teoría e historia de la literatura, principalmente como ejemplo para dominar los conceptos de teoría literaria. Durante este período, se plantean las primeras cuestiones de estudio de una obra dramática. El conocimiento del drama como tipo de literatura se limita a una revisión histórica de los géneros dramáticos. (A.F. Merzlyakov, P.E. Georgievsky). Se está desarrollando la teoría del drama, se distinguen las categorías estéticas de lo trágico y lo cómico (N.I. Nadezhdin, V.G. Belinsky). En esta etapa, la atención al lenguaje y la lectura inmanente como medio para ayudar a revelar el significado de la obra todavía están en pañales (F.I. Buslaev). Sin embargo, ya en ese momento, la atracción por las artes afines y la visita al teatro se reconocían como componentes necesarios para comprender el sentido del drama en la obra de I.P. Pnina, V. F. Odoievski, V.G. Belinski.

Mientras tanto, ya encontramos las primeras pautas metodológicas para leer teatro en la línea de nuestra investigación en los artículos de V.G. Belinsky, quien llamó la atención sobre la importancia de considerar la interpretación escénica de la obra para una comprensión más profunda de la misma por parte del lector, mostrando el poder con el que el drama en el teatro se “viste de pies a cabeza”, entrando en alianza con todas las artes y recibiendo de ellas “todos los medios, todas las armas”. Artículos de críticos, por ejemplo, "Woe from Wit". Comedia en 4 actos, en verso. La composición de A.S. Griboedov" o "Hamlet", el drama de Shakespeare. Mochalov en el papel de Hamlet", se distinguen por la penetración en el juego de actores, la recreación de la atmósfera del teatro y pueden convertirse buen material para trabajar en clase. Las principales recomendaciones de V.G. Belinsky sobre la lectura y el análisis del drama se convirtió en el punto de partida de la metodología para estudiarlo en las escuelas secundarias y superiores.

Segunda mitad del siglo XIX - punto de retorno en la historia de la educación en Rusia. Las actividades educativas y literarias de N.G. Chernyshevsky y N. A. Dobrolyubova. Este es el momento de las reformas escolares y de las discusiones pedagógicas. La reforma de 1864 intensificó la actividad metodológica de muchos docentes, quienes tuvieron la oportunidad de elaborar de forma independiente planes de estudios basados ​​en las exigencias de las instrucciones ministeriales. Durante este período, tal obras significativas como artículos, programas y guías de estudio FI Buslaeva, V.Ya. Stoyunina, VI. Vodovozova, L. I. Polivanova, Ts.P. Baltalona y otros En los años 60 del siglo XIX, la literatura se conforma como una disciplina académica especial; Con la llegada de nuevos patrones dramáticos en programas y libros de texto, también cambian los enfoques metodológicos para su estudio y surgen nuevas técnicas.

El estudio del drama como ejemplo para dominar los conceptos de la teoría literaria se desvanece en un segundo plano. El valor del hogar y la clase, la lectura expresiva, el recuento como métodos para estudiar una obra dramática se fundamenta en las obras de los mejores metodólogos y filólogos de la época: V.I. Vodovozova, V. Ya. Stoyunina, vicepresidenta Ostrogorsky, V.P. Sheremetevsky. Se reconoce la importancia del análisis en profundidad que involucre la crítica literaria y la estética. Para comprender la intención del autor, se utiliza un análisis paralelo de composición y acción dramática. El principio del historicismo, propuesto en las obras de V.I. Vodovozov y V.Ya. Stoyunin, se aplica al estudio de la dramaturgia y se concreta en los métodos de comentario histórico y comparación de obras de varios autores y épocas.

Al mismo tiempo, se establece una relación entre la profundidad de la interpretación del drama y su realización escénica. La necesidad de visitar el teatro mientras se estudian obras dramáticas la indica V.P. Ostrogorsky, V.P. Sheremetevsky. La organización de un espectáculo escolar como una de las posibles formas de trabajo se fundamenta en los trabajos de N.F. Bunakova, N. A. Soloviov-Nesmelov.

“El estudio de la poesía dramática es, por así decirlo, la corona de la teoría de la literatura ... - señaló V.P. Ostrogorsky. “Este tipo de poesía no sólo contribuye al desarrollo mental serio de los jóvenes, sino que con su vivo interés y especial efecto en el alma, infunde el amor más noble por el teatro, en su gran significado educativo para la sociedad”. Considerando que era imposible prestar la debida atención al estudio de las obras dramáticas en el marco del programa, propuso la lectura extracurricular obligatoria de obras de teatro y elaboró ​​su propia lista de recomendaciones.

Según V. P. Ostrogorsky, el maestro no puede “desatender el ambiente que posee el escenario y que realza la impresión del espectador”. Animó a los estudiantes a ver las representaciones en el escenario imperial y esperaba que algún día las representaciones matutinas se realizaran a precios económicos para los estudiantes pobres. vicepresidente Ostrogorsky, compartiendo las ideas de V.G. Belinsky, dijo que según los artículos de crítica, es necesario aprender a "aprender el significado del teatro y la actuación del actor". Sus puntos de vista se exponen en el artículo "En memoria de Mochalov". En el aula V.P. Ostrogorsky introdujo a los jóvenes en la historia del drama y el teatro, pero los instó a no dejarse seducir por los efectos escénicos, sino a tratar de comprender para qué se utilizan.

Cerrar V.P. Ostrogorsky en sus posiciones en pedagogía fue V.P. Sheremetevsky, quien dejó muchos consejos y recomendaciones útiles sobre la lectura y comprensión de obras dramáticas. Siendo un buen lector, V.P. Sheremetevsky utilizó activamente la lectura expresiva en el proceso de análisis del trabajo.

Para resolver el problema metodológico, para determinar con precisión la esencia de un personaje dramático, V.P. Sheremetevsky no solo analizó el discurso de Khlestakov, sino que también comparó las ediciones del texto de la obra, trató de poner al lector en la posición de espectador. Primero justificó la importancia de la interpenetración del texto de la obra y la actuación en las clases escolares y escribió sobre lo incompleto del estudio del drama sin su implementación escénica: "La representación escénica es un comentario indispensable sobre la tragedia y la comedia". Por lo tanto, V. P. Sheremetevsky abogó por la reanudación de las representaciones en la escuela, sugirió formas de escenificarlas en estrecha relación con el análisis de modelos dramáticos.

Así, en la metodología de enseñanza de la literatura de la segunda mitad del siglo XIX, se esbozan las principales formas de estudiar una obra dramática, se proponen métodos efectivos de análisis e interpretación del texto. Pero las preguntas sobre la necesidad de utilizar interpretaciones teatrales profesionales en una lección de literatura se plantean muy raramente, por lo tanto, los hechos de la biografía escénica de una obra prácticamente no están incluidos en el sistema de enseñanza de los escolares.

Los metodistas de principios del siglo XX se están alejando gradualmente de la herencia de los años 60. El interés en una persona, su lugar en la sociedad y el estado interno se convierte en la razón para profundizar en la psicología del carácter de un personaje literario, en particular, un héroe dramático, en las obras de Ts.P. Baltalona, ​​D. V. Ovsyaniko-Kulikovsky, V. Golubev.

El estudio del drama durante este período está estrechamente relacionado con el desarrollo de la dramaturgia rusa. El éxito del teatro doméstico se debe tanto a la aparición en el repertorio de obras de A.P. Chéjov, M. Gorki, A.A. Blok, L. N. Andreev, y un nuevo método creativo. El Teatro de Arte de Moscú, que surgió justo a principios de siglo, resulta estar más cerca de la dramaturgia de Chéjov, pero no excluye el "comienzo de Gorki". El nuevo drama estimula las actividades creativas de actores como K.S. Stanislavski, V. I. Kachalov, I. M. Moskvin, L. Leonidov, V.V. Luzhsky, O. L. Knipper-Chéjov. Las obras de teatro de M. Gorky, con su tono heroico, resultaron estar en consonancia con el trabajo escénico de V. Komissarzhevskaya y M. Yermolova. Los teatros Maly y Alexandria se enriquecen con las inmortales obras de A.N. Ostrovsky.

El auge de la dramaturgia y el teatro determina la búsqueda de nuevos métodos y técnicas adecuadas para el análisis productivo. Los metodistas revelan y fundamentan significativamente la efectividad de visitar el teatro en el estudio de la dramaturgia. Entonces, C. P. Baltalon dedicó una serie de obras a la estética de la recepción del público teatral. Hablando sobre el disfrute artístico de la actuación, Ts.P. Baltalon notó que un sentimiento de similitud de lo que vio en el escenario con las impresiones de la vida le da un placer estético especial.

Al mismo tiempo, el teatro escolar se utiliza como una forma de actividades extracurriculares. N. Bakhtin y S. Krymsky determinan las condiciones para su uso pedagógico:

una estricta selección de obras para no convertir el teatro en un mero entretenimiento;

duración factible de la actuación;

el papel debe corresponder al carácter y las habilidades del niño, estar sobre su hombro;

acumulación de una reserva de observaciones y desarrollo de la observación;

desarrollo del habla expresiva;

comprensión de la motivación de las acciones, una interpretación profunda de la obra;

lo más importante es que los maestros "deben compartir con los niños su ilusión teatral".

N. Bakhtin vio en el drama el principio fundamental del teatro, diseñado para la realización escénica. A su juicio, en él el espectador (y lector) recibe “una encarnación luminosa y completa de la vida, con características vivas de los personajes con los que parecemos fundirnos, olvidándonos de nuestra personalidad y experimentando con ellos toda la gama de sus sensaciones”. " N. Bakhtin insistió en que los escolares visiten el teatro cuando estudien drama, diciendo al mismo tiempo: "El estudio de drama en clase es lo mismo que estudiar una planta según su muestra seca". Trató de organizar el proceso educativo de tal manera que hiciera del teatro, como la literatura, un instrumento de educación. Para cada edad hay un teatro: teatro de sombras - para preescolares, espectáculo de marionetas Petrushki y el teatro de marionetas - para estudiantes más jóvenes, actuaciones de aficionados basadas en el repertorio infantil - para el nivel medio y puesta en escena de obras clásicas - para estudiantes mayores. “El teatro, yendo de la mano de la escuela, comenzó a preparar al futuro público inteligente”. El teatro llegó a ser considerado como "una palanca poderosa de la educación extraescolar".

En las décadas de 1920 y 1930, los clásicos rusos, incluida la dramaturgia clásica, fueron gradualmente eliminados del plan de estudios escolar. Esto se debe a la destrucción del antiguo sistema educativo y la construcción de un nuevo tipo de escuela. Pero el florecimiento del teatro soviético contribuyó al hecho de que el drama ocupó un lugar importante en el curso de literatura escolar. Poco a poco, destacados metodólogos nacionales están volviendo a las ideas formuladas por sus predecesores antes de la revolución.

V. V. Golubkov y L.S. Troitsky enriqueció el análisis de la obra dramática al correlacionarla en la lección introductoria con la realidad histórica que dio origen a la obra y con el repertorio teatral moderno. El método de lectura comentada está profundamente desarrollado en las obras de A.S. Degozhskaya y N.A. Rusanov. NUEVO MÉJICO. Sokolov pone en práctica la lectura reflexiva en el aula con el análisis paralelo del texto; una de las formas de estudiar teatro, sugiere “preparar un texto para el teatro y aislar de él lo que se dirá en el escenario y lo que solo se puede mostrar. " El análisis de la trama y la composición en el curso de una acción dramática se describe en las obras de M.A. Rybnikova A.S. Degozhskaya, N. A. Rusanov y reafirma su conveniencia como uno de los formas posibles estudio de teatro. En el proceso de análisis, se otorga gran importancia a establecer los motivos de las acciones de los personajes y revelar los personajes del drama (N.M. Sokolov, M.A. Rybnikova, V.V. Golubkov).

La cuestión de la necesidad de asistir a las representaciones tanto durante el estudio de la obra dramática correspondiente como fuera de ella suena cada vez más insistente (en las obras de M.A. Rybnikova, A.S. Makarenko).

Así como. Makarenko reconoció el poderoso poder estético del teatro. En el teatro de la colonia Kuryazhskaya, creado bajo su dirección, se representaron las "grandes obras más serias" de Gogol, Ostrovsky, Gorky y otros (para el invierno: 40 obras). Al participar en actuaciones, el maestro logró dos objetivos: en primer lugar, ayudó a los alumnos a socializar y, en segundo lugar, trató de despertar un gran interés en leer obras de teatro y discutir sus problemas. Sus alumnos discutieron acaloradamente las obras, en particular "At the Bottom", después de leerlas. Al mismo tiempo, el análisis fue profundo y no se limitó a un solo contenido social. Según el profesor, no debe haber una "impresión visual vacía, de voluntad débil" que no genere pensamientos y no afecte al individuo: "Una obra de teatro debe ir acompañada de una discusión e intercambio de opiniones".

MAMÁ. Rybnikova, además de fundamentar muchas formas de estudiar teatro, también sugirió realizar excursiones literarias, por ejemplo, a los lugares de Griboedov en Moscú, al distrito comercial de cualquier ciudad, para poder imaginar la vida de los personajes de Ostrovsky. En el libro “El trabajo de un trabajador literario en la escuela”, el metodólogo señaló la necesidad de comparar ediciones de una obra (usando el ejemplo de “El inspector general”).

MAMÁ. Rybnikova era consciente de la importancia de la encarnación teatral del drama. El despertar de la creatividad de los estudiantes, el acercamiento de los estudiantes con el teatro pasa a primer plano para ella. También practicó asistir a un teatro profesional seguido de una discusión sobre actuaciones. Esto, desde su punto de vista, ayudó a sentir el elemento, orgánico para el autor. La visualización debe ser colectiva, para que la obra emocione más. Y el análisis debe realizarse de acuerdo con las impresiones más recientes.

V. V. Golubkov, resumiendo la experiencia de los mejores profesores de literatura, presenta en los "Métodos de enseñanza de la literatura" dos disposiciones importantes para el estudio de obras dramáticas:

el estudio de las obras "será más completo y productivo si los alumnos las ven primero en el teatro";

“Se establece que una obra dramática está destinada a la escena, y se decide qué hace el autor con este fin y qué deben hacer los actores, el director y el decorador”.

Resumiendo los resultados de este período, es necesario enfatizar la importancia para la metodología moderna de la experiencia de los metodólogos de la primera mitad.XX siglos, especialmente en el desarrollo del aspecto de género en el estudio de una obra de arte en la escuela: la introducción de técnicas que contribuyan a la comprensión de las poéticas de tipo dramático, así como la búsqueda de caminos para estudiar drama en la escuela .

Sin embargo, cabe señalar que los científicos no siempre confían en una característica del tipo dramático como la pertenencia del drama tanto a la literatura como al teatro. Sin lugar a dudas, la pedagogía teatral comenzó a desarrollarse activamente en el marco de la educación literaria escolar: aparecen nuevas técnicas relacionadas con la comparación del texto clásico estudiado y la obra escolar, los hechos de la biografía escénica de una obra dramática se utilizan más activamente en las lecciones. (principalmente en clases introductorias o finales). Al mismo tiempo, el análisis de fuentes sobre la historia de la metodología literaria muestra que aún no se ha formado un sistema claro de técnicas para el estudio de una obra dramática, la inclusión de la historia escénica de la obra se utilizó principalmente como una ilustración para el Lea el texto.

Los primeros intentos de utilizar la biografía escénica de la obra como herramienta de análisis se encuentran en la experiencia metodológica de A.S. Degozhskaya, quien, en el proceso de análisis de imágenes de personajes, invita al maestro a hablar sobre la historia escénica de la obra (por ejemplo, sobre la actitud de N.V. Gogol hacia la primera producción, sobre Gorodnichiy-Sosnitsky, Dyur en el papel de Khlestakov, Shchepkin's actuación). Por primera vez, la historia escénica se convierte en tema de consideración detallada en el proceso de estudio escolar de la obra. El propósito de atraer material teatral a la lección para A.S. Degozhskaya es el siguiente: mostrar la importancia del lector-actor que completa la imagen del autor y luego proceder al análisis del trabajo del director. Al mismo tiempo, según E.S. Rogover, la historia del escenario en este primer artículo del metodólogo "resultó estar algo divorciada del análisis de la obra e inconsistente con la caracterización de los personajes en el curso de una conversación general".

La metodología de enseñanza de la literatura de la segunda mitad del siglo XX intenta resolver los problemas de la educación moral y estética por medio del arte dramático. Científicos como N.A. Demidova, T.S. Zepalova, A. M. Zueva, D. A. Klumbite, NO Korst, NI Kudriashev, V.G. Marantsman, Dakota del Norte Moldavskaya, B. S. Naidenov, Ya.G. Nestrukh, MA Snezhnevskaya, T.V. Chirkovskaya, ES Rogover.

Se están explorando con éxito varios aspectos de la metodología para el estudio del teatro: se están desarrollando formas y técnicas para analizar un texto dramático, se están aclarando características de la percepción de una obra y se está formando un círculo de conceptos teóricos y literarios que son herramientas para estudiar teatro en una lección escolar. Los metodistas han propuesto un conjunto de métodos para estudiar teatro, como escuchar grabaciones de sonido de actuaciones (V.P. Medvedev), elegir un método de "papel para uno mismo" (T.S. Zepalova), utilizar los comentarios del director en el proceso de análisis (N.A. Demidova), mise -en-scene (E.S. Rogover), elaboración de un diccionario de términos dramáticos (Z.S. Smelkova), etc.

En las obras de los científicos también se desarrollan ideas de pedagogía teatral. Entonces, N. I. Kudryashev en su obra "El estudio de las obras dramáticas" desarrolla los pensamientos de sus predecesores de que al estudiar drama, es necesario confiar en la vida y las impresiones teatrales de los estudiantes. Al mismo tiempo, los conocimientos sobre el teatro ya disponibles para los estudiantes deben enriquecerse constantemente. “Los estudiantes deben asistir a las representaciones”, escribe el autor, “aunque no estén previstas en el plan de estudios escolar, pero sean accesibles para una edad determinada y tengan un valor educativo y educativo”. Y, lo que es necesario, el visionado de la función debe ser cuidadosamente preparado y comprendido. Para hacer esto, es necesario familiarizar a los estudiantes con la historia del drama (desde la antigüedad), contar con más detalle sobre el teatro ruso del siglo XIX, explicar los principios de Shchepkin y Stanislavsky, que formaron la base del Teatro ruso realista del siglo XX. NI Kudryashev ofrece un sistema de ejercicios destinados a desarrollar la imaginación (lectura de poesía - lectura de poesía y prosa con diálogos - lectura y puesta en escena de una fábula - puesta en escena de una historia y compilación de un guión cinematográfico), que finalmente permitirá a los estudiantes imaginar los personajes de la obra y desde las primeras líneas del mismo para ser incluido en la lectura consciente.

Los problemas de atraer el arte teatral a la lección de literatura se plantean en las obras de E.A. Akulova, I. I. Chernova.

En la obra de M.A. Snezhnevskaya "Características del estudio de las obras dramáticas", la prioridad es el análisis que sigue a la acción en desarrollo, ya que ayuda a revelar gradualmente el carácter del personaje (a través de una comparación del discurso y las acciones del personaje), para profundizar en el esencia del conflicto. El autor señala acertadamente que al estudiar la primera obra dramática para escolares, es importante revelar su conexión directa con el teatro. Y al considerar el drama en la escuela secundaria gran lugar dedicado a la historia de su creación y al desarrollo del drama y el teatro rusos. Según M. A. Snezhnevskaya, la actuación se puede ver con los estudiantes antes o después de estudiar la obra; todo depende de la tarea metodológica establecida.

La dramaturgia del siglo XX se presenta en los currículos escolares una pequeña cantidad obras. Uno o dos se estudian en el marco de un tema monográfico, mientras que el resto se revisan, en el contexto de abordar el tema sobre el tema en cuestión. Las principales obras con las que se invita a trabajar a los alumnos son “El jardín de los cerezos” de A.P. Chekhov, "At the Bottom" de M. Gorky, "Duck Hunt" de A.V. Vampilov.

Es de destacar que la historia escénica de las obras de Chéjov y Gorki también se convierte en objeto de atención en la lección de literatura. Sin embargo, la referencia a él no se proporciona en el proceso de análisis del texto del trabajo, sino a menudo al final del estudio del tema y es ilustrativo. Solo en uno de programas modernos(bajo la dirección editorial de V.G. Marantsman) al estudiar el "Huerto de los cerezos" en nivel de perfil la presentación del material se proporciona de tal manera que los estudiantes puedan comparar la idea de Chéjov y la implementación del director, así como rastrear el destino de esta obra y otras obras del dramaturgo en el escenario y en el cine.

El fenómeno del nuevo drama chejoviano y los problemas sociales y morales de las obras de Gorky, que son tan difíciles para la autocomprensión, se abordan una vez, con menos frecuencia, dos veces durante toda la práctica escolar de los estudiantes de secundaria en una cantidad relativamente pequeña (Gorky's el trabajo se estudia durante 3-4 horas; Chéjov - 3-5 horas en el nivel básico, 7 horas - en el nivel de perfil). Parece posible hacer cualitativamente diferente este recurso, gracias a la inclusión de los hechos de la historia escénica en el proceso de análisis de la obra. Para lograr una alta actividad de los estudiantes en el proceso de análisis y una comprensión profunda de la intención del autor, puede cambiar el enfoque del estudio de las obras dramáticas. Utilizando la historia escénica como herramienta de análisis de una obra dramática, se puede reavivar la percepción directa de los alumnos, hacerla más profunda y consciente, contribuyendo así a la mejora de las habilidades interpretativas desde el nivel de un simple lector hasta el de un "lector-espectador" preparado. ".

Así, habiendo analizado el acervo metodológico en el campo del estudio de una obra dramática y de la atracción del arte teatral a una lección de literatura, podemos resumir y reducir las disposiciones descritas en ellos a tres aspectos:

1) espectador (los estudiantes en el papel de espectadores comprenden la originalidad ideológica y artística de la representación y, a través de ella, de la obra);

2) actuación (estudiantes en el papel de actores - actuación,
dramatización: básicamente todos, a través de su papel, están tratando de entender
la naturaleza del personaje y la esencia del conflicto);

3) etapa (atrayendo la historia escénica a una lección de literatura, comparando interpretaciones como técnica principal, un estudiante en el papel de investigador).

Estos aspectos pueden implementarse en cualquier etapa de la lección, pero tienen, en nuestra opinión, los rangos óptimos de uso. Para el público, esta es la etapa final en el estudio del drama, como una generalización de lo analizado, cuando la actuación ayuda a crear y mantener una idea de la integridad de la obra, reúne todos los niveles de análisis. Una visita al teatro también es posible en la etapa introductoria, pero en este caso debe planificarse de manera especial. Una de las formas posibles: antes de la actuación, debe hacer una pregunta para que la visualización no sea un fin en sí mismo y para que el alumno tenga un punto de apoyo en sus pensamientos, con el que siempre pueda correlacionar lo que vio. Ya durante el análisis del texto, siempre será posible comparar lo que se escribió, lo que se leyó, lo que se vio (cómo el autor describió el momento específico, el estudiante entendió y cómo los actores lo encarnaron).

La implementación del aspecto de rendimiento es posible en la etapa de análisis y en la etapa final. Como preparación, puede utilizar la lectura expresiva, reflejando la profundidad de la comprensión de la situación, los personajes y los conflictos. Actuar la escena es ya el resultado del análisis.

La participación de los hechos de la historia escénica, la demostración de videoclips de varias representaciones en el marco del aspecto escénico es conveniente en todas las etapas del análisis de una obra dramática. Usando técnicas especiales en cada etapa del análisis, que se discutirán en el segundo capítulo, puede crear una actitud hacia la lectura, profundizar la percepción del texto, alcanzar el concepto de la versatilidad de la imagen y la adecuación de la interpretación, y contribuir a la creación de una interpretación personal.

Saquemos conclusiones sobre el uso de la historia escénica en el proceso de análisis de una obra dramática:

La ciencia metodológica ha acumulado una amplia experiencia en el estudio de las obras dramáticas. En particular, en la mayoría de los casos, se reconoce que el análisis del drama debe basarse en su principal esencia específica: su propósito previsto para el lector y el espectador;

la implicación de la historia escénica en el estudio de un texto dramático tenía carácter de "uso", principalmente el aprovechamiento del potencial ideológico y educativo de la representación; no existía un sistema de participación igualitaria del texto literario y teatral en el proceso de formación literaria de los escolares;

Nos parece que en la actual situación sociocultural es necesario buscar nuevos métodos creativos de trabajo con obras dramáticas, destinados, por un lado, a hacer más productivo el análisis de textos, y por otro, la lectura más deseable y consciente. por un lado, acercar el proceso de aprendizaje a las realidades de la vida actual y las tendencias del teatro moderno. Para esto, en nuestra opinión, es necesario crear condiciones para las actividades de los estudiantes como director de espectáculo, actor, compositor, escenógrafo, crítico, etc.

Lo principal es organizar adecuadamente el trabajo para que al analizar el trabajo, no sea posible sesgarse hacia el diseño artístico y técnico. El objetivo de todas estas técnicas es despertar el interés por la lectura y la interpretación de una obra dramática, desarrollar la lectura y formar las competencias de espectador de los alumnos a partir de la comprensión de las propiedades tipológicas de una obra dramática.

Definición 1

El drama es uno de los géneros de la literatura, que pertenece simultáneamente a dos tipos de arte: el teatro y la literatura.

El concepto de teatro, sus características específicas.

La palabra "drama" en griego significa "acción". El drama está destinado a ser interpretado en el escenario. Formalmente, este tipo de literatura se diferencia de la lírica y la épica en que, en el drama, el texto se presenta en forma de comentarios del autor y réplicas de personajes y suele dividirse en fenómenos y acciones. Drama se refiere a cualquier obra construida en forma de diálogo, incluyendo tragedia, comedia, farsa, vodevil, drama (como género), etc.

El drama ha existido entre varios pueblos en forma literaria o folclórica desde la antigüedad. Los antiguos griegos, los antiguos chinos, los indios, los indios y los japoneses crearon de forma independiente sus tradiciones dramáticas.

La especificidad del drama como tipo de literatura es una organización especial del discurso artístico. En el drama, a diferencia de la épica, no hay narración, siendo de suma importancia el discurso directo de los personajes, sus monólogos y diálogos. Las características del drama son:

• Ausencia de una imagen narrativo-descriptiva
• El texto de la obra se presenta en forma de monólogo y diálogo de personajes.
• El discurso del autor es auxiliar.
• Los principales medios para crear una imagen de personaje son la acción y el habla.
• La cantidad de tiempo de acción y la cantidad de texto está limitada por el marco del escenario.
• Escenificación teatral, exageración de sentimientos y expresiones, dictadas por las exigencias de la teatralidad.

Tradicionalmente, el esquema de cualquier obra dramática consiste en:

• Exposiciones - representaciones de actores
• Corbatas
• Desarrollo de acciones
• clímax
• Intercambios.

La historia del drama

El drama tiene su origen en la poesía primitiva, en la que se han fusionado elementos de la épica, el lirismo y el drama en relación con los movimientos mímicos y la música. drama como clase especial la poesía se formó por primera vez entre los griegos y los hindúes.

Drama griego, en el que se desarrollaron serias tramas religiosas y mitológicas, tragedia y comedia, tramas divertidas tomadas de vida moderna, alcanza la máxima perfección y en el siglo XVI se convierte en modelo del teatro europeo. Hasta este punto, el teatro europeo manejaba sin arte temas religiosos y seculares: espectáculos secundarios, misterios, fastnachtspiel, etc.

Los dramaturgos franceses imitaron a los griegos y se adhirieron estrictamente a ciertas disposiciones que se consideraban invariables para el mérito estético del drama. Estas disposiciones son:

• Unidad de lugar y tiempo.
• La duración del episodio representado en el escenario no debe ser superior a un día.
• La ubicación no debe cambiar
• El desarrollo del drama se desarrolla en 3-5 actos
• Número limitado de actores, generalmente de tres a cinco.
• Los actores son exclusivamente representantes de la élite de la sociedad y sus servidores más cercanos.

En las comedias, la severidad de los requisitos. estilo clásico observado menos. La comedia pasó gradualmente de la convención a la imagen. vida ordinaria. La obra de Shakespeare, libre de las convenciones clásicas, ha abierto vías de desarrollo completamente nuevas para el drama. A finales del siglo XVIII y la primera mitad del XIX aparecieron los dramas románticos y nacionales, presentados por Schiller, Lessing, Hugo, Goethe, Grabbe, Kleist.

En la segunda mitad del siglo XIX, el realismo se impuso en el teatro europeo. Los representantes más famosos de este período son Ibsen, Dumas son, Sardou, Ogier, Suderman y otros.

A finales del siglo XIX, bajo la influencia de Maeterlinck e Ibsen, el simbolismo se hizo popular en el escenario europeo.

Tipos de teatro

Definición 2

La tragedia es un género de obra literaria y artística destinada a ser escenificada, en la que la trama lleva a los personajes a un desenlace trágico.

En la tragedia, la realidad se representa de la manera más aguda, los conflictos más profundos de la realidad se revelan de una forma extremadamente rica e intensa. La mayoría de las tragedias están escritas en verso, las obras están llenas de patetismo, marcadas por una seriedad severa. La comedia es lo opuesto a la tragedia.

El género dramático estuvo especialmente extendido en la literatura de los siglos XVIII-XXI, reemplazando gradualmente a la tragedia. El drama contrasta la tragedia con una trama predominantemente cotidiana y un estilo más cercano a la realidad cotidiana. Con la llegada del cine, el drama se ha convertido en uno de sus géneros más difundidos. Por regla general, los dramas específicos representan la vida privada de una persona, sus conflictos sociales. El énfasis está en las contradicciones de carácter universal, encarnadas en las acciones y el comportamiento de personajes específicos.

Observación 1

El drama, según B. V. Tomashevsky, desplaza otros géneros en el siglo XIX, al tiempo que armoniza con la evolución de la novela cotidiana y psicológica.

El drama como género literario en la historia de la literatura se divide en varias modificaciones. Por ejemplo, el drama burgués era popular en el siglo XVII, el drama naturalista y realista era popular en el siglo XIX, y el drama simbolista se desarrollaba activamente a finales del siglo XIX y XX. En el siglo XX son populares el drama expresionista, surrealista, el drama del absurdo, etc. muchos dramaturgos de los siglos XIX y XX utilizaron la palabra "drama" como designación del género de sus obras teatrales.

La comedia es un género de obra literaria que se caracteriza por un enfoque satírico o humorístico; un tipo de drama donde se resuelve específicamente el momento de lucha o conflicto de personajes antagónicos.

Observación 2

Aristóteles caracterizó la comedia de la siguiente manera: “esta es una imitación de las peores personas, pero no en toda su depravación, sino en forma ridícula”

Las primeras comedias que han llegado hasta nuestros días se crearon en la antigua Atenas, el autor de estas comedias es Aristófanes.

Hay dos tipos de comedia: la comedia de personajes y la comedia de situaciones.

Una comedia de personajes es una comedia donde la fuente de lo divertido son las circunstancias y los acontecimientos.

En la comedia de personajes, la fuente de lo gracioso es la esencia de la moral, un rasgo o defecto exagerado, una fea unilateralidad. A menudo la comedia de personajes es satírica, ridiculiza todas las cualidades humanas negativas.

FUNDAMENTOS DEL DRAMA

D marco - una especie de obra literaria en forma dialógica, destinada a la encarnación escénica" - esto es lo que dice la Enciclopedia Teatral.

En la última edición del libro de texto universitario sobre crítica literaria de G. L. Abramovich, la esencia del drama se revela de la siguiente manera: “Mostrando el mundo externo de los fenómenos y personajes en relación con él, el dramaturgo lo encarna mediante la autoidentificación directa del caracteres."

El crítico literario O. Golovenchenko define el drama como "un tipo especial de literatura que refleja la realidad objetiva en forma de conversación (diálogo) y acción".

Se puede ver de lo anterior que no hay unanimidad completa en la comprensión de las especificidades del drama entre los teóricos. En algunos casos, la definición está dominada por la "forma dialógica" o "forma de conversación", en otros - "autoidentificación de los actores", etc. Pero con todas las diferencias en la redacción, uno no puede dejar de notar que, por regla general, la definición menciona "acción", y la misma palabra 6ra, ia en griego significa "yo actúo".

Al mismo tiempo, la acción dramática es entendida por diferentes autores también de diferentes maneras. A veces este concepto cambia de significado incluso dentro de una misma obra. Por lo tanto, antes de abordar la definición de la esencia y especificidad del drama como un tipo de arte, es necesario establecer con precisión su rasgo dominante, rasgo que es esencial para el drama, que define todos sus otros aspectos.

Durante varios años, muchos teóricos y dramaturgos han argumentado (y continúan argumentando) que lo principal en una obra dramática son los personajes artísticos, que son los personajes el eslabón principal, esencial en el drama que determina tanto el conflicto, y el contenido ideológico, y la especificidad de género y especie de este drama. “Es precisamente la representación de personajes claramente definidos, enriquecidos en el transcurso del desarrollo del conflicto, eso es lo que ante todo exigimos de un dramaturgo” 3 .

Resulta que no es un concepto ideológico profundo lo que debería ser la principal preocupación de un escritor dramático, no comprender los procesos sociales y morales que tienen lugar en la sociedad es tarea del escritor para el escenario, sino la representación de personajes claramente definidos como tales. , que, chocando entre sí, seguramente crearán un conflicto dramático. , conflicto y todo lo demás.

Para probar la verdad de tales juicios, es necesario mirar esta pregunta históricamente.

Aristóteles, generalizando la experiencia del drama antiguo, llegó a la conclusión de que el elemento principal de la tragedia es gráfico. La trama es la "combinación de hechos", la "composición de incidentes", el "alma" de la tragedia.

No hay duda de que la trama en Aristóteles significa algo diferente de lo que se suele entender como una trama o incluso una trama en la literatura moderna. Este concepto, según Aristóteles, caracteriza la obra en su conjunto. Esta acción no es sólo en sentido estricto (“trama moderna”), sino también en sentido amplio (el contenido de la obra).

Como consecuencia, acción(“combinación de hechos”, “composición de incidentes”) es ese lado de la tragedia antigua en el que se concentra el significado del todo.

El concepto de trama, según Aristóteles, incorpora en gran medida la definición de la idea, el contenido de la obra como unidad.

Personajes en una obra dramática, Aristóteles asignó el segundo lugar. “Sin acción, la tragedia no podría existir, pero sin personajes sí podría”; “El propósito de una tragedia es retratar una acción, no una cualidad”, enfatiza y aclara Aristóteles una y otra vez. Y en este persistente énfasis en la importancia de la acción para el drama y la conexión de este último con el tema de la "imitación" no se puede dejar de ver una comprensión dialéctica de la vida como un proceso, como un movimiento continuo, acción.

Lessing en sus planteamientos teóricos refleja una época artística diferente, en muchos sentidos resolución de problemas arte nuevo comparado con el arte de la antigüedad. Prestando gran atención al desarrollo del problema de naturaleza artística en el drama, Lessing enfatizó repetidamente en la Dramaturgia de Hamburgo que en la tragedia, la acción es el principal medio para caracterizar al representado. “La trama, al fin y al cabo, es lo que caracteriza principalmente al poeta trágico. De los diez poetas trágicos que describieron con éxito la moral y los sentimientos de los personajes, solo uno superará sin problemas las dificultades de la trama. Es a través de la acción, según Lessing, que los problemas ideológicos, las cuestiones morales que plantea el escritor y el carácter de las personas se nos revelan en una obra dramática.

Hegel, en sus conferencias sobre estética, dijo que "la acción es la revelación más clara de una persona, la revelación tanto de su mentalidad como de sus objetivos".

La poética del drama realista ruso del siglo XIX, en su esencia, discute con Aristóteles, pero, por el contrario, en plena concordancia con las conclusiones del filósofo, profundiza en la definición de la esencia y especificidad del Drama.

El drama, según V. G. Belinsky, debería "formar un mundo cerrado separado, donde cada persona, luchando por su propio objetivo y actuando solo para sí mismo, contribuye, sin saberlo, al movimiento general de la obra". La dramaturgia, dijo Belinsky, es por naturaleza la forma de arte más patética; la esencia del patetismo es la lucha.

El problema de reflejar el "dramatismo" (colisiones) de la realidad en el drama, planteado por Belinsky, se desarrolló aún más en las obras de los clásicos de la estética democrática revolucionaria: Chernyshevsky, Dobrolyubov, Saltykov-Shchedrin, quienes enfatizaron el enorme papel social de dramaturgia para reflejar las contradicciones de la realidad.

F. Engels, en sus declaraciones sobre cuestiones de arte, dramaturgia en particular, pone en primer lugar "posiciones y acción". Al analizar la novela de M. Kautskaya "Viejo y nuevo", F. Engels le escribió al autor: "De ninguna manera soy un oponente de la poesía tendenciosa como tal. El padre de la tragedia Esquilo y el padre de la comedia Aristófanes fueron ambos poetas pronunciados tendenciosos, al igual que Dante y Cervantes, y la principal ventaja de "El engaño y el amor" de Schiller es que es el primer drama alemán políticamente tendencioso. Escritores modernos rusos y noruegos quienes escriben excelentes novelas son todos tendenciosos, pero creo que la tendencia debe seguirse de la situación y de la acción, no debe enfatizarse demasiado…”.

El mayor dramaturgo del siglo XX, Bertolt Brecht, en sus numerosas declaraciones sobre cuestiones de teoría, defiende especialmente un teatro eficaz y revolucionario. Tal teatro, según Brecht, debería traer a primer plano escenas "en las que las relaciones de las personas se muestren de tal manera que las leyes sociales que las rigen se hagan evidentes". El principal objetivo y tarea de la dramaturgia, según Brecht, es “mostrar la variabilidad de la convivencia de las personas (y al mismo tiempo la variabilidad de la persona misma). Esto sólo puede lograrse si uno mira cuidadosamente todo lo que es inestable, vacilante, relativo, en una palabra, contradicciones. Por tanto, “la trama es en última instancia lo principal, es el núcleo, el núcleo de cualquier actuación, ya que

exactamente lo que está pasando Entre gente, resulta todo lo que se puede discutir, criticar y modificar.

Habiendo considerado las definiciones de la esencia del drama en términos históricos, uno no puede dejar de estar de acuerdo con la conclusión de Aristóteles sobre la posición dominante de la acción en la estructura del drama como en un tipo específico de arte. Y la definición del drama, que se compone de dos dichos diferentes de Aristóteles, como "imitación de la acción... por la acción" parece ser la más general de todas. definiciones existentes, pero captando correctamente la esencia de este concepto. Aquí se manifestó plenamente la peculiaridad inherente a la filosofía antigua, así como a la poética de Aristóteles, que F. Engels describió como "la visión del mundo original, ingenua, pero de hecho correcta".

Griego drama - acción) - un tipo de literatura en la que se da una imagen de la vida a través de eventos, acciones, enfrentamientos de héroes, es decir. a través de los fenómenos que componen el mundo exterior.

Gran definición

Definición incompleta ↓

DRAMA

Griego drama - acción).- 1. Uno de los principales. nacimiento del artista la literatura (junto con la lírica y la épica), que abarca obras generalmente destinadas a ser interpretadas en el escenario; subdivididos en variedades de genero: tragedia, comedia, drama en sentido estricto, melodrama, farsa. Texto dramático. consta de diálogos y monólogos de personajes que encarnan ciertos personajes humanos, manifestados en acciones y discursos. La esencia del drama es la revelación de las contradicciones de la realidad, que se concretan en los conflictos que determinan el desarrollo de la acción de la obra, y en las contradicciones internas inherentes a la personalidad de los personajes. Las tramas, las formas y los estilos del drama han cambiado a lo largo de la historia cultural. Inicialmente, los mitos servían como tema de la imagen, en la que se generalizaba la experiencia espiritual de la humanidad (D. Oriente, Antigua Grecia, religiosa D. Edad Media europea). El punto de inflexión en D. vino con un llamamiento a historia real, conflictos estatales y domésticos (D. Renacimiento, dramaturgia de Shakespeare, Lope de Vega, Corneille, Racine, etc.); parcelas D. comenzó a reflejar los acontecimientos y personajes de la majestuosa y heroica. En el siglo XVIII. bajo la influencia de la estética de la Ilustración, D.

los promotores de la clase burguesa en ascenso (Didero, Lessing). El realismo del romanticismo ilustrado de la primera mitad del siglo XIX. contrastan tramas legendarias e históricas, héroes extraordinarios, intensidad de las pasiones. A la vuelta de los siglos XIX-XX. el simbolismo revive temas mitológicos en D., mientras que el naturalismo aborda los aspectos más oscuros de la vida cotidiana. D. en el arte socialista, luchando por una cobertura integral de la realidad, sigue las tradiciones del realismo del período anterior, a menudo complementando el realismo con el romance revolucionario. 2. Una variedad de obras en las que el conflicto no recibe un desenlace trágico, mortal, pero tampoco la acción adquiere un carácter puramente cómico. Este género dramático, intermedio entre la tragedia y la comedia, tuvo una especial difusión en la segunda mitad de los siglos XIX y XX. Un ejemplo sorprendente de tal variedad de obras es la dramaturgia de A.P. Chekhov.

Gran definición

Definición incompleta ↓

Por un lado, cuando se trabaja en un drama, se utilizan los medios que están en el arsenal del escritor, pero, por otro lado, la obra no debe ser literaria. El autor describe los hechos de tal manera que la persona que leerá el ensayo puede ver todo lo que sucede en su imaginación. Por ejemplo, en lugar de "se sentaron en el bar durante mucho tiempo", puedes escribir "se bebieron seis cervezas cada uno", etc.

En el teatro, lo que sucede no se muestra a través de reflejos internos, sino a través de una acción externa. Además, todos los eventos tienen lugar en el tiempo presente.

Además, se imponen ciertas restricciones en el volumen del trabajo, porque. debe presentarse en el escenario dentro del tiempo asignado (hasta un máximo de 3-4 horas).

Las exigencias del teatro, como arte escénico, dejan su huella en el comportamiento, los gestos, las palabras de los personajes, muchas veces exageradas. Lo que en la vida no puede pasar en unas pocas horas, en el drama sí puede pasar muy bien. Al mismo tiempo, la audiencia no se sorprenderá por la convencionalidad, la inverosimilitud, porque este género inicialmente les permite hasta cierto punto.

En una época en que los libros eran caros e inaccesibles para muchos, el teatro (como representación pública) era la principal forma de reproducción artística de la vida. Sin embargo, con el desarrollo de la tecnología de impresión, ha perdido terreno frente a los géneros épicos. Sin embargo, aún hoy, las obras dramáticas siguen siendo demandadas por la sociedad. La audiencia principal del drama es, por supuesto, los asistentes al teatro y al cine. Además, el número de estos últimos supera al número de lectores.

Según el método de puesta en escena, las obras dramáticas pueden adoptar la forma de obras de teatro y guiones. Todas las obras dramáticas destinadas a ser representadas desde el escenario teatral se denominan obras de teatro (en francés pi èce). Las obras dramáticas a partir de las cuales se realizan las películas son guiones. Tanto las obras como los guiones contienen notas del autor para indicar la hora y el lugar de la acción, indicar la edad, apariencia héroes, etc

La estructura de la obra o guión sigue la estructura de la historia. Por lo general, las partes de una obra se designan como un acto (acción), un fenómeno, un episodio, una imagen.

Los principales géneros de las obras dramáticas:

- drama,

- tragedia

- comedia

- tragicomedia

- farsa

- vodevil

- boceto.

Drama

El drama es una obra literaria que representa un conflicto serio entre actores o entre actores y la sociedad. La relación entre personajes (héroes y sociedad) en las obras de este género siempre está cargada de dramatismo. En el curso del desarrollo de la trama, hay una lucha intensa tanto dentro de los personajes individuales como entre ellos.

Aunque el conflicto es muy serio en el drama, sin embargo, puede resolverse. Esta circunstancia explica la intriga, la tensa expectativa de la audiencia: si el héroe (héroes) podrá salir de la situación o no.

El drama se caracteriza por una descripción de la vida cotidiana real, la formulación de cuestiones "mortales" de la existencia humana, una profunda revelación de los personajes, el mundo interior de los personajes.

Hay tipos de drama como histórico, social, filosófico. El drama es un melodrama. En él, los personajes están claramente divididos en positivos y negativos.

Dramas ampliamente conocidos: Othello de W. Shakespeare, At the Bottom de M. Gorky, Cat on a Hot Roof de T. Williams.

Tragedia

La tragedia (del griego tragos ode - "canción de cabra") es una obra dramática literaria basada en un conflicto de vida irreconciliable. La tragedia se caracteriza por una tensa lucha de fuertes personajes y pasiones, que termina en un desenlace catastrófico para los personajes (generalmente la muerte).

El conflicto de una tragedia suele ser muy profundo, tiene un significado universal y puede ser simbólico. Protagonista, por regla general, sufre profundamente (incluso por la desesperanza), su destino es infeliz.

El texto de la tragedia a menudo suena patético. Muchas tragedias están escritas en verso.

Tragedias ampliamente conocidas: "Prometeo encadenado" de Esquilo, "Romeo y Julieta" de W. Shakespeare, "Tormenta" de A. Ostrovsky.

Comedia

La comedia (del griego komos ode - "canción alegre") es una obra dramática literaria en la que los personajes, las situaciones y las acciones se presentan de manera cómica, utilizando el humor y la sátira. Al mismo tiempo, los personajes pueden ser bastante tristes o tristes.

Por lo general, la comedia presenta todo lo feo y ridículo, divertido y torpe, ridiculiza los vicios sociales o domésticos.

La comedia se subdivide en la comedia de máscaras, posiciones, personajes. También este género incluye farsa, vodevil, sideshow, sketch.

La comedia de situación (comedia de situaciones, comedia situacional) es una obra de comedia dramática en la que los hechos y las circunstancias son el origen de lo gracioso.

Una comedia de personajes (comedia de costumbres) es una obra de comedia dramática en la que la fuente del humor es la esencia interna de los personajes (moral), la unilateralidad divertida y fea, un rasgo o pasión exagerada (vicio, defecto).
Una farsa es una comedia ligera que utiliza técnicas cómicas simples y está diseñada para un gusto rudo. Por lo general, se usa una farsa en una lunada de circo.

El vodevil es una comedia ligera de intriga entretenida, que ha un gran número de números de baile y canciones. En los Estados Unidos, el vodevil se llama musical. A Rusia moderna también se dice comúnmente "musical", lo que implica vodevil.

Un interludio es una pequeña escena cómica que se reproduce entre las acciones de la actuación o actuación principal.

Sketch (sketch en inglés - "sketch, sketch, sketch") es un trabajo de comedia breve con dos o tres personajes. Habitualmente se recurre a la presentación de sketches en el escenario y la televisión.

Comedias ampliamente conocidas: "Las ranas" de Aristófanes, "El inspector general" de N. Gogol, "Ay del ingenio" de A. Griboyedov.

Famosos programas de televisión: "Nuestra Rusia", "Town", "Monty Python's Flying Circus".

Tragicomedia

La tragicomedia es una obra dramática literaria en la que una trama trágica se representa en forma cómica o es una mezcla aleatoria de elementos trágicos y cómicos. En la tragicomedia, los episodios serios se combinan con los divertidos, los personajes sublimes son protagonizados por personajes cómicos. El principal método de la tragicomedia es el grotesco.

Podemos decir que “la tragicomedia es lo cómico en lo trágico” o viceversa, “lo trágico en lo cómico”.

Tragicomedias ampliamente conocidas: "Alcestis" de Eurípides, "La tempestad" de V. Shakespeare, "El jardín de los cerezos" de A. Chekhov, las películas "Forrest Gump", "El gran dictador", "El mismo Munchazen".

Se puede encontrar información más detallada sobre este tema en los libros de A. Nazaikin.