Rembrandt: biografía, creatividad, hechos y videos. Rembrandt: todo lo que necesita saber sobre la biografía del famoso artista holandés Rembrandt

08.07.2021

Rembrandt Harmenszoon van Rijn es el pintor, grabador y dibujante más famoso de la "Edad de Oro". Reconocimiento y fama universales, un fuerte declive y pobreza: así se puede caracterizar la biografía del gran genio del arte. Rembrandt buscaba transmitir el alma de una persona a través de los retratos; aún circulan rumores y conjeturas sobre muchas de las obras del artista, envueltas en misterio.

El comienzo del siglo XVII fue tranquilo para el estado holandés, que se independizó como república en el momento de la revolución. La producción industrial, la agricultura y el comercio se desarrollaron en el país.

En la antigua ciudad de Leidin, ubicada en la provincia de Holanda Meridional, Rembrandt, que nació el 15 de julio de 1607, pasó su infancia en una casa en Wedeshteg.

El niño creció en gran familia en la que fue el sexto hijo. El padre del futuro artista Harmen van Rijn era un hombre rico que poseía un molino y una maltería. Entre otras cosas, Van Rein tenía dos casas más en su propiedad, y también recibió una importante dote de su esposa Cornelia Neltier, por lo que la familia numerosa vivía en abundancia. La madre del futuro artista era hija de un panadero y era versada en la cocina, por lo que la mesa familiar abundaba en deliciosos platos.

A pesar de su riqueza, la familia Harmen vivía modestamente, observando estrictas reglas católicas. Los padres del artista, incluso después de la Revolución Holandesa, no cambiaron su actitud hacia la fe.

Autorretrato de Rembrandt a los 23

Rembrandt fue amable con su madre durante toda su vida. Esto se expresa en un retrato pintado en 1639, que representa a una anciana sabia con una mirada amable y algo triste.

La familia era ajena a los acontecimientos sociales ya la vida lujosa de las personas adineradas. Es razonable suponer que por las tardes los van Rijn se reunían alrededor de la mesa y leían libros y la Biblia: esto era lo que hacían la mayoría de los ciudadanos holandeses durante la Edad de Oro.

El molino de viento propiedad de Harmen estaba ubicado a orillas del Rin: ante la mirada del niño se abría un hermoso paisaje de un río azul, que es iluminado por los rayos del sol, abriéndose paso a través de una pequeña ventana del edificio y pasando a través de las nieblas del polvo de harina. Quizás, debido a los recuerdos de la infancia, el futuro artista aprendió a dominar hábilmente los colores, la luz y la sombra.

De niño, Rembrandt creció como un niño observador. Los espacios abiertos de las calles de Leidin proporcionaron fuentes de inspiración: en los mercados comerciales uno podía encontrarse con personas disímiles de diferentes nacionalidades y aprender a dibujar sus rostros en papel.

Inicialmente, el niño fue a una escuela de latín, pero no estaba interesado en estudiar. Al joven Rembrandt no le gustaban las ciencias exactas, prefiriendo el dibujo.

La infancia del futuro artista fue feliz, ya que los padres vieron los pasatiempos de su hijo, y cuando el niño tenía 13 años, lo enviaron a estudiar con el artista holandés Jacob van Swanenburg. Poco se sabe de la biografía del primer maestro de Rembrandt, el representante del manierismo tardío no tenía una gran herencia artística, por lo que es casi imposible rastrear la influencia de Jacob en la formación del estilo de Rembrandt.

En 1623, el joven se dirigió a la capital, donde el pintor Peter Lastman se convirtió en su segundo maestro, quien enseñó pintura y grabado a Rembrandt durante seis meses.

Pintura

El entrenamiento con un mentor fue exitoso, impresionado por las pinturas de Lastman, el joven dominó rápidamente la técnica del dibujo. Colores brillantes y saturados, el juego de sombras y luces, así como la elaboración escrupulosa de incluso los detalles más pequeños de la flora: eso es lo que Peter transmitió al eminente estudiante.

En 1627, Rembrandt regresó de Ámsterdam a su ciudad natal. Confiado en sus habilidades, el artista, junto con su amigo Jan Lievens, abre su propia escuela de pintura, que en poco tiempo ganó popularidad entre los holandeses. Lievens y Rembrandt estaban a la par, a veces los jóvenes trabajaban cuidadosamente en un lienzo, poniendo parte de su propio estilo en el dibujo.

El joven artista de 20 años ganó fama por sus primeros trabajos detallados, que incluyen:

"La lapidación del santo apóstol Esteban" (1625),
"Palamedea ante Agamenón" (1626),
"David con la cabeza de Goliat" (1627),
"El rapto de Europa" (1632),

El joven sigue inspirándose en las calles de la ciudad, recorre las plazas para encontrarse con un transeúnte al azar y plasmar su retrato con un cincel sobre una tabla de madera. Rembrandt también realiza una serie de grabados con autorretratos y retratos de numerosos familiares.

Gracias al talento de un joven pintor, Rembrandt fue notado por el poeta Konstantin Heygens, quien admiró los lienzos de van Rijn y Lievens, llamándolos artistas prometedores. “Judas devuelve treinta piezas de plata”, escrito por un holandés en 1629, lo compara con los famosos lienzos de los maestros italianos, pero encuentra fallas en el dibujo. Gracias a las conexiones de Constantino, Rembrandt pronto adquiere ricos admiradores del arte: gracias a la mediación de Haygens, el Príncipe de Orange encarga varios obras religiosas como Ante Pilato (1636).

El verdadero éxito del artista llega en Amsterdam. 8 de junio de 1633 Rembrandt conoce a la hija de un rico burgués Saskia van Uylenbürch y gana una posición sólida en la sociedad. El artista pintó la mayoría de los lienzos mientras estuvo en la capital de los Países Bajos.

Rembrandt se inspira en la belleza de su amada, por lo que a menudo pinta sus retratos. Tres días después de la boda, van Rijn pintó a una mujer con un lápiz plateado en un sombrero con ala ancha. Saskia apareció en las pinturas del holandés en un ambiente hogareño acogedor. La imagen de esta mujer de mejillas regordetas aparece en muchos lienzos, por ejemplo, la misteriosa niña en la pintura "Night Watch" se parece mucho a la amada del artista.

En 1632, Rembrandt fue glorificado por la pintura "La lección de anatomía del Dr. Tulp". El hecho es que van Rijn se apartó de los cánones de los retratos de grupo estándar, que se representaban con los rostros vueltos hacia el espectador. Los retratos extremadamente realistas del médico y sus alumnos hicieron famoso al artista.

En 1635 se pintó el famoso cuadro basado en el relato bíblico “El Sacrificio de Abraham”, que fue apreciado en la sociedad secular.

En 1642, van Rijn recibió un encargo de la Shooting Society para un retrato de grupo para decorar el nuevo edificio con lienzo. La pintura se llamó erróneamente "Guardia nocturna". Estaba manchado de hollín, y solo en el siglo XVII, los investigadores llegaron a la conclusión de que la acción que se desarrolla en el lienzo tiene lugar durante el día.

Rembrandt retrató minuciosamente cada detalle de los mosqueteros en movimiento: como si el tiempo se detuviera en un momento determinado cuando la milicia abandonaba el oscuro patio para que van Rijn los plasmara en el lienzo.

A los clientes no les gustó que el pintor holandés se apartara de los cánones que se desarrollaron en el siglo XVII. Luego, los retratos grupales eran ceremoniales y los participantes eran retratados de cara completa sin estática.

Según los científicos, esta pintura fue la razón de la quiebra del artista en 1653, ya que asustó a los clientes potenciales.

Técnica y pinturas

Rembrandt creía que el verdadero objetivo del artista es estudiar la naturaleza, por lo que todas las pinturas del pintor resultaron ser demasiado fotográficas: el holandés trató de transmitir todas las emociones de la persona representada.

Como muchos maestros talentosos de la era dorada, Rembrandt tiene motivos religiosos. En los lienzos de van Rijn, no solo se dibujan rostros capturados, sino tramas enteras con su propia historia.

En el cuadro “La Sagrada Familia”, que fue pintado en 1645, los rostros de los personajes son naturales, el holandés parece querer trasladar a los espectadores al ambiente acogedor de una sencilla familia campesina con la ayuda de un pincel y pinturas. En las obras de van Rijn, no se puede rastrear una cierta pomposidad. dijo que Rembrandt pintó a la Virgen con la forma de una campesina holandesa. De hecho, a lo largo de su vida, el artista se inspiró en las personas que lo rodeaban, es posible que en el lienzo una mujer, copiada de una criada, esté arrullando a un bebé para que se duerma.

La Sagrada Familia de Rembrandt, 1646

Como muchos artistas, Rembrandt está lleno de misterios: tras la muerte del creador, los investigadores reflexionaron durante mucho tiempo sobre los secretos de sus pinturas.

Por ejemplo, en la pintura "Danae" (o "Egina") van Rijn trabajó durante 11 años, a partir de 1636. El lienzo representa a una joven doncella después de despertarse del sueño. La trama se basa en el antiguo mito griego de Dánae, hija del rey de Argos y madre de Perseo.

Los investigadores del lienzo no entendieron por qué la doncella desnuda no se parecía a Saskia. Sin embargo, después de la radiografía, quedó claro que Danae fue pintada originalmente con la imagen de Eilenbürch, pero después de la muerte de su esposa, van Rijn volvió a la imagen y cambió los rasgos faciales de Danae.

También entre los críticos de arte hubo disputas sobre la heroína representada en el lienzo. Rembrandt no firmó el título de la pintura, y la interpretación de la trama se vio obstaculizada por la ausencia de una lluvia dorada, según la leyenda, en la forma en que Zeus se le apareció a Danae. Además, los científicos estaban avergonzados por el anillo de compromiso en el dedo anular de la niña, que no concordaba con la mitología griega antigua. La obra maestra de Rembrandt, "Danae", se encuentra en el Museo del Hermitage de Rusia.

La novia judía (1665) es otra pintura enigmática de van Rijn. Este nombre se le dio al lienzo a principios del siglo XIX, pero aún se desconoce quién está representado en el lienzo, porque una niña y un hombre están vestidos con trajes antiguos que recuerdan a la ropa bíblica. También es popular la pintura "El regreso del hijo pródigo" (1669), que tardó 6 años en crearse.

Fragmento de "El regreso del hijo pródigo" de Rembrandt

Si hablamos del estilo de escribir pinturas de Rembrandt, entonces el artista usó un mínimo de colores, mientras lograba que las pinturas estuvieran "vivas", gracias al juego de luces y sombras.

Van Rijn también logra representar con éxito las expresiones faciales: todas las personas en los lienzos del gran pintor parecen estar vivas. Por ejemplo, en el retrato de un anciano, el padre de Rembrandt (1639), cada arruga es visible, así como una mirada sabia y triste.

Vida personal

En 1642, Saskia murió de tuberculosis, la amada tuvo un hijo, Titus (otros tres niños murieron en la infancia), con quien Rembrandt mantuvo relaciones amistosas. A finales de 1642, el artista se encuentra con un joven especial Gertier Dirks. Los padres de Saskia estaban molestos por la forma en que el viudo manejaba su dote mientras vivía en el lujo. Más tarde, Dirks demanda a su amante por romper su promesa de casarse con ella. De la segunda mujer, el artista tuvo una hija, Cornelia.

Pintura de Rembrandt "Saskia a imagen de la diosa Flora"

En 1656, debido a dificultades financieras, Rembrandt se declaró en bancarrota y se fue a vivir a una casa apartada en las afueras de la capital.

La vida de Van Rijn no subió, sino que, por el contrario, entró en declive: una infancia feliz, la riqueza y el reconocimiento fueron reemplazados por clientes que se fueron y una vejez miserable. El estado de ánimo del artista se puede rastrear en sus lienzos. Entonces, viviendo con Saskia, pinta cuadros alegres y soleados, por ejemplo, "Autorretrato con Saskia de rodillas" (1635). En el lienzo, van Rijn ríe con una carcajada sincera, y una luz radiante ilumina la habitación.

Si antes se detallaron las pinturas del artista, en la etapa de la creatividad tardía, Rembrandt usa trazos amplios y los rayos del sol son reemplazados por la oscuridad.

La pintura "La conspiración de Julius Civilis", escrita en 1661, no fue pagada por los clientes, porque los rostros de los participantes en la conspiración no se trabajaron escrupulosamente, a diferencia de los trabajos anteriores de van Rijn.

Cuadro de Rembrandt "Retrato del hijo de Tito"

Poco antes de su muerte, viviendo en la pobreza, en 1665 Rembrandt pintó un autorretrato a la imagen de Zeuxis. Zeukis es un pintor griego antiguo que tuvo una muerte irónica: el artista se divirtió con el retrato de Afrodita que pintó en forma de anciana, y murió de risa. En el retrato, ríe Rembrandt, el artista no dudó en poner una parte de humor negro en el lienzo.

Muerte

Rembrandt enterró a su hijo Titus, que murió de peste, en 1668. Este triste evento empeoró drásticamente el estado de ánimo del artista. Van Rijn murió el 4 de octubre de 1669 y fue enterrado en la iglesia Netherlandish Westerkerk en Amsterdam.

Estatua de Rembrandt en Rembrandtplein en Amsterdam

Durante su vida, el artista pintó unos 350 lienzos y 100 dibujos. La humanidad tardó dos siglos en apreciar a este gran artista.

Las pinturas de las cuales se pueden ver en muchos museos de todo el mundo, hoy en día son conocidas por todas las personas en la Tierra. El miedo y la alegría, la sorpresa y la indignación se reflejan en sus obras con tanta naturalidad que es imposible no creerlas. La popularidad loca, el destino trágico y el triste declive de la vida siguen siendo motivo de chismes y razonamientos filosóficos.

Juventud

El artista Rembrandt nació en la familia de un panadero en 1606 en la ciudad holandesa de Leiden, situada a orillas del Rin. Muy temprano sintió su talento artístico. Después de estudiar en casa durante varios años, el joven se fue a Ámsterdam para recibir lecciones del famoso pintor Lastman. El entrenamiento no duró mucho y, a la edad de 19 años, Rembrandt regresó a Leiden. En este momento, pinta retratos de sus familiares y amigos, y también presta gran atención a los autorretratos. Muchas obras del autor han sobrevivido hasta el día de hoy, donde se representa a sí mismo en varias imágenes.

Confesión

Un día, un aspirante a artista recibe un excelente pedido del Gremio de Cirujanos. Así aparece la obra "Lección de anatomía". La pintura trae el reconocimiento de Rembrandt. Inmediatamente recibe más de cincuenta encargos de retratos de grandes y nobles de Ámsterdam. Simultáneamente con la popularidad, también crece el bienestar del maestro. Comienza a coleccionar antigüedades y trajes de época. Adquiere una casa elegante que llena con exquisitos muebles y obras de arte de época.

Saskia

A la edad de 28 años, Rembrandt, cuyas pinturas son cada vez más populares, se casa con una chica rica, Saskia. Se casó por amor y no sólo preservó, sino que aumentó el capital de su amada. Rembrandt idolatraba a su esposa, a menudo retratándola en varias imágenes en sus obras. Una de las pinturas más famosas del artista, Autorretrato con Saskia, muestra a un Rembrandt feliz con su joven esposa. Al mismo tiempo, el artista recibe un pedido de una serie de obras con una historia bíblica. Entonces, hay pinturas de Rembrandt con los nombres "El sacrificio de Abraham" y "La fiesta de Belsasar". Este período también incluye uno de los más trabajos famosos maestro "Dánae". La imagen fue reescrita por el artista varias veces y tiene varias opciones de autor.

puesta de sol de la vida

El tiempo despreocupado del artista no duró mucho. No a todo el mundo le gustó la forma en que Rembrandt retrata a una persona tal como es. Después de escribir la pintura "La ronda de noche" estalló un escándalo increíble. Rostros extraños aparecieron en el lienzo. Quizás la razón fue que en medio del trabajo, su amada Saskia murió de tuberculosis. En la imagen, junto con las figuras de los arqueros, se puede ver la silueta de una niña, que recuerda tanto a la esposa del maestro. La popularidad del autor comienza a caer. Casi no hay nuevos pedidos. Habiendo perdido su casa y todas sus propiedades, Rembrandt, cuyas pinturas adquieren un nuevo significado filosófico, comienza a retratar a la gente común y sus seres queridos. Escribe mucho sobre la imagen de su hijo, así como de las personas que lo rodean en los últimos años de su vida. En este momento, nacieron las pinturas de Rembrandt con los títulos "Retrato de un anciano en rojo", "Retrato del hijo de Tito leyendo" y otras obras. Al final de su vida, aparece otra obra maestra de la pluma del maestro: "El regreso del hijo pródigo". En esta imagen, el maestro se representa a sí mismo como un eterno vagabundo, que se ve obligado a vagar por los caminos difíciles de la gloria cambiante. En 1969, habiendo enterrado a su hijo con su novia, el propio Rembrandt muere, dejando su huella creativa en este mundo para siempre. Hoy en día, las pinturas del artista ocupan un lugar de honor en cualquier museo importante del mundo.

La mayoría de Rembrandt. "Una lección de anatomía" (1632)

Este cuadro es el primer gran encargo que recibe Rembrandt tras su traslado a Amsterdam. El lienzo representa una autopsia realizada por el Dr. Tulp. El médico sujeta los tendones de su mano con fórceps, mostrando a sus alumnos cómo doblar los dedos. Los retratos grupales similares en ese momento eran muy populares entre los gremios de médicos. Es cierto que, por regla general, los miembros del grupo posaron para ellos, sentados en fila. Rembrandt, cuyas pinturas se distinguieron por la naturalidad y el realismo, retrató a los estudiantes en un círculo cerrado, escuchando atentamente las palabras del Dr. Tulp. Los rostros pálidos y el propio cadáver se destacan con puntos de luz brillantes sobre el fondo sombrío y oscuro de la imagen. El trabajo le dio a Rembrandt la primera popularidad, después de lo cual los pedidos cayeron sobre el autor con una velocidad increíble.

"Autorretrato con Saskia" (1635)

A lo largo de su vida, Rembrandt pintó una cantidad increíble de autorretratos. Esta pintura es una de las más famosas. Aquí se representa el júbilo del artista por la felicidad de poseer a su amada. El estado emocional del pintor se refleja en la mirada abierta de los personajes, en el rostro radiante de Rembrandt, como ahogado de felicidad y bienestar. Sin embargo, una provocación oculta acecha en el retrato: después de todo, el artista se retrata a sí mismo en la imagen de ese mismo “hijo pródigo” festejando con una cortesana cualquiera. ¡Cuánto difiere el “hijo pródigo” de este autorretrato del que el público conoce del cuadro del mismo nombre!

"Dánae" (1636)

La más famosa de las pinturas de Rembrandt. Fue escrito basado en el mito de la madre de Perseo, Danae. Según la leyenda, el padre de la niña descubrió que moriría del hijo de su propia hija y la encarceló en un calabozo. Zeus entró en el prisionero en forma de lluvia de oro, tras lo cual nació Perseo. La imagen atrae con su color inusual, característico del trabajo del artista. En el centro hay una mujer desnuda, cuyo cuerpo está iluminado por la brillante luz del sol. En esta imagen, Rembrandt, cuyas pinturas suelen representar a personas cercanas a él, capturó la imagen de su amada esposa Saskia. La imagen de un ángel se le atribuyó tras la muerte de su esposa. Parece que siempre está llorando por el destino del difunto. Rembrandt reescribió su creación favorita durante mucho tiempo, cambiando el estado de ánimo de la imagen de acuerdo con sus sentimientos. La combinación de tonos brillantes y reflejos dorados sorprende por su sofisticación y magnificencia.

El destino de la pintura es sorprendente y dramático, al igual que la historia de vida del propio artista. Después de la muerte del autor, la obra maestra cambió de dueño. Tras la adquisición de la obra por Catalina II, "Danae" ocupó un lugar destacado en la famosa colección del Hermitage. En 1985 ocurrió un desagradable incidente en el museo, que casi privó al mundo de la oportunidad de contemplar la obra de Rembrandt. Un loco se acercó al cuadro y le echó ácido. La pintura inmediatamente comenzó a burbujear. Pero esto no fue suficiente para el atacante: logró hacer un par de cortes en la lona con un cuchillo hasta que fue detenido. Los daños afectaron alrededor del 30% de la obra maestra. El maníaco resultó ser un tal Bronyus Maigis, quien más tarde pasó 6 años en una clínica psiquiátrica. La restauración de la pintura duró 12 años. Ahora está en exhibición en el Hermitage bajo la protección de la obra maestra de los vándalos. Otro dato también es interesante. A menudo se filman una obra de arte y sus reproducciones. Por ejemplo, "Danae" aparece en la serie "Gangster Petersburg" como la pintura de Rembrandt "Egina".

"Guardia de la noche" (1642)

La pintura fue encargada a Rembrandt por el jefe de la división de infantería. El lienzo representa una compañía de milicianos, que va en campaña. Los mosqueteros, alentados por el tamborileo, se representan junto a soldados de diversos niveles sociales y edades, listos para la batalla. A todos les une la masculinidad y el impulso patriótico. El trabajo se distingue por la minuciosidad en el dibujo de todas las imágenes y detalles. El cuadro de Rembrandt "La ronda de noche" evoca en los espectadores que lo miran, un sentido completo de la realidad de todo lo que sucede. El autor trató no solo de mostrar las características externas de todos los personajes, sino también de revelar el mundo interior de cada soldado. La apoteosis de la imagen es el arco triunfal, un símbolo de los éxitos pasados y un presagio de una nueva victoria gloriosa. Con la ayuda de coloridos colores (dorado, negro y amarillo), el espectador revela la energía, el dramatismo y la solemnidad del estado de ánimo de los militares. El carácter y el destino de cada personaje se leen gracias al pincel de un famoso artista.

Hay muchas versiones sobre la niña representada casi en el centro de la imagen. Se diferencia de todos los colores brillantes y apariencia angelical. Quizás esta sea una especie de mascota de la milicia. Según otra versión, la niña es la imagen de la amada esposa del autor, quien partió hacia otro mundo en medio de la pintura. Como saben, el trabajo no agradó a los clientes. Después de comprar el cuadro, cortaron salvajemente el lienzo y lo colgaron en el salón de banquetes.

"El regreso del hijo pródigo" (1666-1669)

La pintura de Rembrandt "El regreso del hijo pródigo" es uno de los pináculos más brillantes del trabajo del famoso artista. Fue escrito en los últimos años de la vida del maestro. Este es el momento en que era muy viejo y débil, en necesidad y hambriento. El tema del hijo pródigo ha surgido reiteradamente y con anterioridad en la obra del artista. Este trabajo es una conclusión, que resume los resultados de muchos años de andanzas creativas del famoso autor. El cuadro irradia toda la calidez y profundidad de la paleta de Rembrandt. Los colores brillantes y un elegante juego de luces y sombras enfatizan las imágenes de los personajes principales. Bajo la apariencia de un anciano venerable y su hijo pródigo, se expresa toda una gama de sentimientos diversos: el arrepentimiento y el amor, la misericordia y la amargura de una intuición tardía. Según los historiadores del arte, en El regreso se revela todo el talento psicológico del pintor. Invirtió en su descendencia toda su experiencia creativa acumulada, toda su pasión, toda su inspiración.

Conclusión

Es difícil incluso imaginar cómo retrató Rembrandt que se presenta en este artículo. ¡Cuántos años han pasado desde el día de su creación, cuánto hollín de velas de sebo las ha cubierto a lo largo de tres siglos de historia! Solo podemos adivinar cómo se veían en sus cumpleaños. Mientras tanto, hasta el día de hoy, millones de admiradores del talento del famoso pintor en diferentes museos de todo el mundo vienen a ver sus obras maestras.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669), pintor holandés.

Al ingresar a la Universidad de Leiden en 1620, Rembrandt pronto lo dejó y comenzó a estudiar pintura. En 1625-1631. trabajaba en su ciudad natal. Lo principal en su trabajo del período temprano también fueron pinturas sobre temas religiosos.

1632 resultó ser un año feliz para Rembrandt. Se mudó a Amsterdam y se casó con una ciudadana adinerada, Saskia van Uylenburgh, y el lienzo "La lección de anatomía del Dr. Tulip" le dio al joven pintor reconocimiento universal.

Para el maestro comenzó la década más próspera de su vida. Tuvo muchos alumnos (la escuela de Rembrandt). Durante este período, pintó obras maestras como "Autorretrato con Saskia" (1635) y "Danae" (1636).

El arte extremadamente alegre de Rembrandt de los años 30. combina la experiencia de los maestros del Renacimiento y el Barroco y un enfoque innovador de los temas clásicos.

El período de éxito terminó abruptamente en 1642: la magnífica obra "La ronda de noche", un retrato grupal de miembros del Shooting Guild of Amsterdam, fue rechazada por clientes que no apreciaron las innovaciones del artista y lo sometieron a duras críticas.

Rembrandt prácticamente dejó de recibir órdenes, casi todos los alumnos lo abandonaron. Saskia murió el mismo año.

De los años 40. Rembrandt abandonó los efectos teatrales en su obra, y el comienzo místico y contemplativo se intensificó en su pintura. A menudo, el artista recurría a la imagen de su segunda esposa, Hendrikje Stoffels.

La pintura "La Sagrada Familia" (1645), una serie de autorretratos, y los mejores paisajes están marcados por la profundidad, la calma y la riqueza emocional. Pero los fracasos siguieron acosando a Rembrandt: en 1656 se declaró en quiebra, la propiedad se vendió en una subasta y la familia se mudó a una casa modesta en el barrio judío de Ámsterdam.

El cuadro “La conspiración de Julius Civilis” (1661) encargado por el ayuntamiento compartió el destino de la “Guardia nocturna”. En 1663 el artista enterró a su esposa e hijo.

A pesar del deterioro de la visión, Rembrandt siguió pintando. Un resultado peculiar de su trabajo fue el lienzo "El regreso del hijo pródigo" (1668-1669).

La obra del genial Rembrandt Harmenszoon van Rijn es uno de los pináculos de la pintura mundial. La extraordinaria amplitud de la gama temática, el más profundo humanismo que inspira las obras, la verdadera democracia del arte, la búsqueda constante de los medios artísticos más expresivos, la habilidad insuperable le dieron al artista la oportunidad de encarnar las ideas más profundas y avanzadas de la época. El color de las pinturas de Rembrandt de la época madura y tardía, construido sobre una combinación de tonos cálidos y cercanos, iridiscentes con los matices más finos, ligeros, temblorosos y concentrados, como emitidos por los propios objetos, contribuyen a la extraordinaria emotividad de sus obras. Pero les dan un valor especial los sentimientos elevados y nobles, que dan poesía y belleza sublime a las cosas cotidianas.

El aprendiz y su tutor, 1629-1630, Museo Getty, Los Ángeles, California

Jeremías lamentando la destrucción de Jerusalén, 1630, Rijksmuseum

Minerva, hacia 1631, Rijksmuseum, Berlín

Rembrandt pintó cuadros, retratos y paisajes históricos, bíblicos, mitológicos y cotidianos; fue uno de los más grandes maestros del grabado y el dibujo. Pero no importa en qué técnica trabajó Rembrandt, el centro de su atención siempre fue una persona, con su mundo interior, sus experiencias. Rembrandt a menudo encontró a sus héroes entre los representantes de los pobres holandeses, en ellos reveló los mejores rasgos de carácter, una riqueza espiritual inagotable. El artista llevó la fe en el hombre a través de toda su vida, dificultades y pruebas. Ella lo ayudó hasta sus últimos días a crear obras que expresan las mejores aspiraciones del pueblo holandés.

El rapto de Proserpina, hacia 1631, Galería de arte, Dresde

Lección de anatomía del Dr. Nicholas Tulp, 1632, Mauritshuis, La Haya

La violación de Europa, 1632, Museo Getty, Los Ángeles

Rembrandt Harmenszoon van Rijn nació en 1606 en Leiden, hijo del propietario de un molino. Sus maestros fueron Swannenburgh y más tarde Lastman. A partir de 1625, Rembrandt comenzó a trabajar de forma independiente. Sus primeros trabajos tienen huellas de la influencia de Lastman, a veces pintores de Utrecht, seguidores de Caravaggio. Pronto, el joven Rembrandt encontró su camino, claramente marcado en retratos, hechos principalmente de sí mismo y de sus seres queridos. Ya en estas obras, el claroscuro se convirtió para él en uno de los principales medios expresividad artistica. Estudió diversas manifestaciones de personajes, expresiones faciales, expresiones faciales, rasgos individuales.

Daniel y el rey persa Ciro ante el ídolo de Baal, 1633, Museo Getty

Diosa de la guerra Bellona, 1633, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

El constructor naval y su esposa , 1633, Galería de arte, Palacio de Buckingham

En 1632, Rembrandt se mudó a Amsterdam e inmediatamente ganó fama con la pintura La lección de anatomía del Dr. Tulp (1632, La Haya, Mauritshuis). En esencia, se trata de un gran retrato grupal de médicos que rodeaban al Dr. Tulp y escuchaban con atención sus explicaciones sobre un cadáver anatómico. Tal construcción de la composición le permitió al artista transmitir las características individuales de cada persona retratada y conectarlas en un grupo libre con un estado general de profundo interés, para enfatizar la vitalidad de la situación. A diferencia de los retratos de grupo de Hals, donde cada uno de los retratados ocupa una posición equivalente, en la pintura de Rembrandt todos los personajes están psicológicamente subordinados a Tulpa, cuya figura se destaca por una silueta ancha y un gesto de manos libres. La luz brillante revela el centro de la composición, contribuye a la impresión de compostura grupal y aumenta la expresión.

El éxito de la primera pintura trajo al artista muchos encargos, y con ellos riqueza, que aumentó con su matrimonio con la patricia Saskia van Uylenburgh. Una tras otra, Rembrandt escribe grandes composiciones religiosas, como el Sacrificio de Abraham (1635, San Petersburgo, Hermitage), llenas de dinamismo y patetismo, retratos ceremoniales. Está fascinado por las imágenes heroico-dramáticas, las construcciones aparentemente espectaculares, los magníficos atuendos de fantasía, los contrastes de luces y sombras y los ángulos agudos. Rembrandt a menudo representa a Saskia y a él mismo, jóvenes, felices, llenos de energía. Estos son “Retrato de Saskia” (alrededor de 1634, Kassel, Galería de Arte), “Autorretrato” (1634, París, Louvre), “Autorretrato con Saskia de rodillas” (alrededor de 1636, Dresde, Galería de Arte). Rembrandt trabajó mucho en el campo del grabado, siendo aficionado a los motivos de género, retratos, paisajes, y creó toda una serie de imágenes de representantes de las clases sociales más bajas.

Judith en la recepción de Holofernes (pintura antes conocida como Artemisia), 1634, Museo del Prado, Madrid

Diana y las ninfas se bañan contando historias de Acteón y Calisto, 1635, Museo Wasserburg Anholt

Saskia van Uylenburgh con traje de Arcadia, 1635, National Gallery, Londres

A fines de la década de 1630, se reveló la atracción del artista por las imágenes realistas en pinturas a gran escala. El tema mitológico en la pintura Danae (1636, la mayor parte de la pintura fue repintada a mediados de la década de 1640, San Petersburgo, el Hermitage) adquirió una solución inusualmente vital y convincente. Rechazando el patetismo violento y los efectos externos, Rembrandt luchó por la expresividad psicológica. Los colores cálidos se han enriquecido, la luz ha adquirido un protagonismo aún mayor, impartiendo una especial inquietud y entusiasmo a la obra.

Hombre con traje oriental , 1633, National Gallery, Washington

Incredulidad del apóstol Tomás , 1634, Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin , Moscú

Sansón amenaza a su suegro, 1635, Rijksmuseum, Berlín

Con la profundización de la habilidad realista del artista, crecieron sus desacuerdos con el entorno burgués-patricio que lo rodeaba. En 1642, por encargo de una compañía de fusileros, pintó un cuadro de grandes dimensiones (3,87 x 5,02 m), debido al oscurecimiento de los colores de vez en cuando, que más tarde recibió el nombre de “La ronda de noche” (Amsterdam, Rijksmuseum). En lugar de la tradicional fiesta con retratos de sus participantes, donde cada uno es representado con todo el cuidado de una característica individual, como se hacía anteriormente, el artista representó la actuación de tiradores en campaña. Izando el estandarte, encabezados por el capitán, marchan a lo largo del ancho puente cerca del edificio del gremio al son de un tambor. Un rayo de luz inusualmente brillante, que ilumina las figuras individuales, los rostros de los participantes de la procesión y una niña con un gallo en la cintura, como si se abriera paso entre las filas de los tiradores, enfatiza lo inesperado, la dinámica y la emoción de la imagen. Las imágenes de personas valientes, presas de un impulso heroico, se combinan aquí con una imagen generalizada del pueblo holandés, inspirado por la conciencia de unidad y la fe en su propia fuerza. Así, un retrato de grupo adquiere el carácter de una especie de pintura histórica, en la que el artista busca evaluar el presente. Rembrandt encarna su idea de elevados ideales cívicos, de un pueblo que se ha levantado para luchar por la libertad y la independencia nacional. En los años en que se revelaban cada vez más las contradicciones internas que dividían al país, el artista hizo un llamado a la gesta cívica. Rembrandt buscó crear una imagen de la Holanda heroica, para glorificar el levantamiento patriótico de sus ciudadanos. Sin embargo, esta idea ya era en gran medida ajena a sus clientes.

A lo largo de la década de 1640, las diferencias entre el artista y la sociedad burguesa fueron creciendo. Esto se ve facilitado por eventos difíciles en su vida personal, la muerte de Saskia. Pero fue en este momento cuando llegó el momento de la madurez en la obra de Rembrandt. Las espectaculares escenas dramáticas de sus primeras pinturas están siendo reemplazadas por la poetización de la vida cotidiana: las tramas líricas se vuelven predominantes, como “Adiós de David a Jonatán” (1642), “La Sagrada Familia” (1645, ambas pinturas - San Petersburgo , el Hermitage), en quien la profundidad de los sentimientos humanos conquista con una encarnación sorprendentemente sutil y fuerte. Parecería que en simples escenas cotidianas, en gestos y movimientos sobrios y precisos, el artista revela la complejidad de la vida espiritual, el flujo de pensamientos de los personajes. Transfiere la escena de la pintura "La Sagrada Familia" a una casa de campesinos pobres, donde el padre trabaja como carpintero y la joven madre cuida cuidadosamente el sueño del bebé. Todo aquí está cubierto con el aliento de la poesía, enfatiza el estado de ánimo del silencio, la paz, la tranquilidad. Esto se ve facilitado por la luz suave que ilumina los rostros de la madre y el bebé, los tonos más sutiles de color dorado cálido.

Cristo y María Magdalena en la tumba, 1638, Royal Collection, Windsor

Agatha Bass contra una ventana , 1641, Galería de arte, Palacio de Buckingham

Predicador Cornelis Claes Anslo y su esposa Eltje Gerritsdr Schouten, 1641, Museo Berlin-Dahlem

El profundo significado interior está lleno de imágenes. obras graficas Rembrandt - dibujos y grabados. Con especial fuerza, el democratismo de su arte se expresa en el aguafuerte “Cristo sanando a los enfermos” (hacia 1649, “Una hoja de cien florines”, llamada así por el alto precio que compraba en las subastas). Impresionante es la penetrante interpretación de las imágenes de los enfermos y los que sufren, los mendigos y los pobres, a los que se oponen fariseos satisfechos de sí mismos y ricamente vestidos. Auténtica amplitud monumental, pintoresquismo, sutiles y agudos contrastes de claroscuro, riqueza tonal se distinguen en sus aguafuertes y dibujos a pluma, tanto temáticos como paisajísticos.

Un gran lugar en el período tardío está ocupado por composiciones simples pero, en su mayoría, retratos generacionales de familiares y amigos, en los que el artista se enfoca en revelar el mundo espiritual del retratado. Muchas veces le escribe a Hendrickje Stoffels, revelando su bondad espiritual y amabilidad, nobleza y dignidad, como, por ejemplo, "Hendrickje en la ventana" (Berlín, Museo). A menudo, el modelo es su hijo Titus, un joven frágil y enfermizo con un rostro espiritual amable. En el retrato con un libro (hacia 1656, Viena, Kunsthistorisches Museum), la imagen parece penetrada por los rayos del sol. Entre los más penetrantes se encuentran el retrato de Breuning (1652, Kassel, Gallery), un joven de cabello dorado con un rostro móvil iluminado por la luz interior, y un retrato del cerrado y triste Jan Six (1654, Amsterdam, colección Six) , como detenido en sus pensamientos, poniéndose un guante.

Autorretrato con sombrero de fieltro, 1642, Colección Real, Castillo de Windsor, Londres

Aseo de Betsabé, 1643, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Retrato de una dama con las manos entrelazadas (¿Hendrikje Stoffels?), hacia 1650, Royal Collection, Londres

Los autorretratos tardíos del artista también pertenecen a este tipo de retratos, llamando la atención con la diversidad de características psicológicas, la expresión de los movimientos más esquivos del alma. El “Autorretrato” del Museo de Viena (circa 1652) fue ejecutado con noble sencillez y majestuosidad; en el "Autorretrato" del Louvre (1660), el artista se representa a sí mismo meditando, intensamente triste. Al mismo tiempo, se pintó un retrato de una anciana, esposa de su hermano (1654, San Petersburgo, Hermitage), un retrato-biografía que habla de una vida dura, de días duros que dejaron sus huellas elocuentes en la rostro arrugado y manos trabajadoras de esta mujer sobreviviente. Al concentrar la luz en el rostro y las manos, el artista atrae la atención del espectador hacia ellos, revelando la riqueza espiritual y la dignidad humana de los retratados. Casi todos estos retratos no están hechos a medida: cada año hay cada vez menos encargos.

La última década es la época más trágica de la vida de Rembrandt; declarado deudor insolvente, se instala en el barrio más pobre de Amsterdam, pierde a sus mejores amigos y seres queridos. Hendrickje y su hijo Titus mueren. Pero las desgracias que le sucedieron no pudieron detener el desarrollo del genio creativo del artista. Las obras más profundas y hermosas fueron escritas por él en este momento. El retrato de grupo de "Sindiki" (los ancianos del gremio de telas, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) completa los logros del artista en este género. Su vitalidad reside en la profundidad y especificidad de cada uno de los retratados, en la naturalidad de la composición, clara y equilibrada, en la tacañería y precisión en la selección de los detalles, en la armonía de un cromatismo discreto, y al mismo tiempo en crear una imagen integral de un grupo de personas unidas por los intereses comunes que protegen. . Un ángulo inusual enfatiza la naturaleza monumental de la imagen, el significado y la solemnidad de lo que está sucediendo.

Mujer joven probándose aretes, 1657, Hermitage, San Petersburgo

Artajerjes, Amán y Esther, 1660, Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin, Moscú

Retrato de familia, 1668, Museo Duke Anton Ulrich, Braunschweig

Una serie de pinturas temáticas de gran tamaño del maestro también pertenecen al período tardío: "La conspiración de Julius Civilis" (1661, Estocolmo, Museo Nacional), una composición histórica que representa al líder de la tribu Batav, que eran considerados los antepasados. de los Países Bajos, que en el siglo I incitó al pueblo a rebelarse contra Roma, así como pinturas de temas bíblicos: "Artajerjes, Amán y Ester" (1660, Moscú, Museo Pushkin). El argumento de la parábola bíblica del hijo pródigo atrajo antes al artista, se encuentra en uno de sus grabados. Pero sólo hacia el final de su vida Rembrandt llegó a su revelación más profunda. La imagen de un hombre cansado y arrepentido que cayó de rodillas frente a su padre expresa el camino trágico de conocer la vida, y la imagen del padre que perdonó al hijo pródigo encarna la mayor felicidad disponible para una persona, el límite de los sentimientos. que llenan el corazón. La solución a esta composición de gran formato es asombrosamente sencilla, donde los protagonistas parecen estar iluminados por una luz interior, donde el gesto de las manos del padre, que ha recuperado a su hijo, expresa su infinita bondad, y la figura caída de un vagabundo en harapos sucios, aferrado a su padre, expresa todo el poder del arrepentimiento, la tragedia de la búsqueda y las pérdidas. Otros personajes quedan relegados a un segundo plano, en la penumbra, y su compasión y consideración solo resaltan aún más, como resplandeciendo con un cálido resplandor, amor paternal y perdón, que el gran artista holandés dejó como testamento.

La influencia del arte de Rembrandt fue enorme. Afectó no solo el trabajo de sus alumnos inmediatos, de los cuales Karel Fabritius estuvo más cerca de comprender al maestro, sino también el arte de todos los artistas holandeses más o menos importantes. El arte de Rembrandt tuvo un profundo impacto en el desarrollo de todo el arte realista mundial posteriormente. Mientras que el más grande artista holandés, habiendo entrado en conflicto con la sociedad burguesa, murió en la necesidad, otros pintores, habiendo dominado la habilidad de transmitir fielmente lo representado, lograron lograr el reconocimiento y el bienestar de por vida. Habiendo concentrado sus esfuerzos en el campo de uno u otro género de pintura, muchos de ellos crearon obras significativas en su campo.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (barroco)

Resmbrandt nació en Leiden, hijo del dueño de un molino bastante rico. Primero estudió en la Escuela Latina y luego brevemente en la Universidad de Leiden, pero lo dejó para estudiar pintura, primero con un maestro local poco conocido y luego con el artista de Amsterdam Peter Lastman.

Después de un breve estudio, Rembrandt se va a su ciudad natal para pintar por su cuenta en su propio taller. Este es el momento de la formación del artista, cuando se aficionó a la obra de Caravaggio. Durante este período, pinta muchos retratos de los miembros de su familia: madre, padre, hermana y autorretratos. Ya en esta época presta especial atención a la iluminación y transmisión de las experiencias espirituales de sus modelos. Al joven artista le encanta vestirlos con varias prendas, cubrirlos con hermosas telas, transmitiendo perfectamente su textura y color.

En 1632, Rembrandt partió hacia Amsterdam, el centro de la cultura artística de Holanda, lo que naturalmente atrajo al joven artista. Aquí alcanza rápidamente la fama, tiene muchos encargos. Al mismo tiempo, continúa mejorando sus habilidades con entusiasmo. Los años 30 fueron la época de mayor gloria, camino que le abrió al pintor su gran cuadro de encargo "Lección de anatomía". Todas las poses y acciones en la imagen son naturales, pero desprovistas de un naturalismo excesivo.

En 1634, Rembrandt se casa con una chica de una familia adinerada, Saskia van Uylenborch, y desde entonces cae en los círculos patricios. Comienza el momento más feliz de la vida del artista: amor apasionado mutuo, bienestar material, muchos pedidos. El pintor escribe a menudo a su joven esposa: "Flora", "Autorretrato con Saskia de rodillas". Pero la felicidad no duró mucho. Saskia murió en 1642, dejando a su pequeño hijo Titus.

La depresión moral y la pasión por el coleccionismo que se apoderó de Rembrandt lo llevaron poco a poco a la ruina. Esto también se vio facilitado por un cambio en los gustos del público, que quedó fascinado por la pintura de luz cuidadosamente pintada. Rembrandt, que nunca cedió a los gustos de sus clientes, se interesó por los contrastes de luces y sombras, dejando la luz en un punto, el resto del cuadro estaba en sombra y en sombra parcial. Los pedidos se hicieron cada vez menos. La nueva novia de su vida, Hendrikje Stoffels, y su hijo Titus fundaron una empresa de venta de cuadros y antigüedades para ayudar al artista. Pero sus esfuerzos fueron en vano. Las cosas estaban empeorando. A principios de la década de 1660, murió Hendrickje y, unos años después, Titus.

Sin embargo, a pesar de todo, el artista sigue trabajando. En estos años especialmente difíciles, crea una serie de obras notables: "Síndicos", "El regreso del hijo pródigo", impactantes por su dramatismo interior.

El más grande artista murió en extrema pobreza el 4 de octubre de 1669. Los contemporáneos reaccionaron con frialdad a esta pérdida. Pasaron casi doscientos años para que la fuerza del realismo de Rembrandt, la profunda psicología de sus lienzos y la asombrosa habilidad de pintar levantaran su nombre del olvido y lo ubicaran entre los nombres más grandes del mundo.

El regreso del hijo pródigo (1668-69)

Uno de los últimos cuadros de Rembrandt. Este es un profundo drama psicológico. En el lienzo con tremendo poder suena un llamado a la humanidad profunda, la afirmación de la comunidad espiritual de las personas, la belleza del amor de los padres.

Representa una historia bíblica sobre un hijo disoluto que, después de largas andanzas, regresa a la casa de su padre. Toda la habitación está inmersa en la oscuridad, solo el padre y el hijo están muy iluminados. El hijo con la cabeza rapada de presidiario, en harapos, con un talón desnudo del que se le cayó un zapato agujereado, cayó de rodillas y se aferró a su padre, escondiendo el rostro contra su pecho. El anciano padre, cegado por el dolor en anticipación de su hijo, lo siente, lo reconoce y lo perdona, bendiciéndolo.

El artista transmite con naturalidad y veracidad todo el poder del amor paternal. Cerca hay figuras entumecidas de espectadores que expresan sorpresa e indiferencia: son miembros de esa sociedad que primero corrompió y luego condenó al hijo pródigo. Pero el amor paternal triunfa sobre su indiferencia y hostilidad.

El lienzo se volvió inmortal gracias a los sentimientos universales expresados en él: amor paternal sin fondo, amargura de decepción, pérdida, humillación, vergüenza y arrepentimiento.

El regreso del hijo pródigo (1668-1669)-fragmento

Dánae (1636)

Esta es la mejor obra de Rembrandt de los años 30.

El cuadro está dedicado tema eterno amar. La trama era el mito de la hija del rey Acrisius Danae. El oráculo predijo a Acrisio que moriría a manos de su nieto, entonces el rey encerró para siempre a su hija en una torre, pero el todopoderoso Zeus se transformó en lluvia dorada y en esta forma entró en Dánae y se convirtió en su amante. Su hijo Perseo nació, y luego nuevamente, por orden de Arixius, Dánae, junto con su hijo en una caja, fueron arrojados al mar. Pero Danae y su hijo no murieron.

El artista representa el momento en que Dánae espera con alegría a Zeus. La solterona descorre la cortina de su cama y un resplandor dorado inunda la habitación. Danae, anticipándose a la felicidad, se eleva para encontrarse con la lluvia dorada. El velo cayó y expuso un cuerpo ya no joven, pesado, lejos de las leyes. belleza clásica. Sin embargo, cautiva con su veracidad vital, la suave redondez de las formas. Y aunque el artista se refiere a un tema de la mitología antigua, la imagen está claramente escrita en un espíritu de realismo.

Danae - fragmento

Artemisa (1634)

Artemis (Artemis) - hija de Zeus y Leto, hermana de Apolo. Inicialmente venerada como la diosa de la flora y la fauna. Ella es la "señora de las bestias", Tavropol (protectora de los toros), Limnatis (pantano), oso (de esta manera fue adorada en Bavron). Más tarde, la diosa de la caza, las montañas y los bosques, la patrona de las mujeres en el parto. Artemisa rogó por la virginidad eterna de Zeus. Sesenta oceánidas y veinte ninfas fueron sus constantes compañeras de caza, partícipes de sus juegos y danzas. Su función principal es proteger las costumbres establecidas, los sacrificios a los dioses, por cuya violación castiga severamente: envía un terrible jabalí al reino de Calidonia, serpientes mortales al lecho nupcial del rey Admet. Ella también protege el mundo animal, pidiendo cuentas a Heracles, quien mató a la cierva Kerinean con cuernos de oro, y exige un sacrificio sangriento a cambio de la cierva sagrada asesinada por Agamenón, su hija Ifigenia (en el altar del sacrificio, Artemisa reemplazó en secreto a la princesa con una cierva, e Ifigenia se trasladó a Taurida, convirtiéndola en su sacerdotisa). Artemisa es la protectora de la castidad. Ella patrocina a Hipólito, que desprecia el amor, convierte a Acteón, que accidentalmente vio a la diosa desnuda, en un ciervo, que fue despedazado por él. perros propios, y la ninfa Calypso, que rompió su voto, en un oso. Tiene determinación, no tolera la rivalidad, utiliza sus flechas certeras como herramienta de castigo. Artemisa, junto con Apolo, destruyó a los hijos de Niobe, quien estaba orgullosa de sus siete hijos y siete hijas ante la madre de los dioses Leto; su flecha golpeó a Orión, quien se atrevió a competir con la diosa. Como diosa de la vegetación, Artemisa está asociada a la fertilidad.Este culto se extendió especialmente en Éfeso (Asia Menor), donde se construyó el templo de Artemisa de Éfeso (una de las "siete maravillas del mundo"), quemado por Herostrato. su honor Artemisa fue reverenciada aquí como una diosa-enfermera, "trabajadora"; Es la patrona de las amazonas. Artemisa también fue venerada como la diosa de la guerra. En Esparta, antes de la batalla, se sacrificaba una cabra a la diosa, y en Atenas, se colocaban quinientas cabras en los altares cada año en el aniversario de la Batalla de Maratón (septiembre-octubre). Artemisa a menudo se acercaba a la diosa del mes (Hécate) oa la diosa de la luna llena (Selene). Existe un conocido mito sobre Artemis-Selene, enamorada del apuesto Endymion, quien deseó la eterna juventud y la inmortalidad y las recibió en un profundo sueño. Todas las noches la diosa se acercaba a la gruta del Carian Mount Latm, donde el joven dormía y admiraba su belleza. El atributo de la diosa es una aljaba detrás de su espalda, en sus manos un arco o una antorcha; la acompaña un ciervo o una jauría de perros de caza. En Roma, Artemisa se identifica con la deidad local Diana.

Abrahán y tres ángeles

Dios se apareció a Abraham y a su esposa Sara en forma de tres viajeros, tres hermosos jóvenes (Dios Padre, Dios Hijo y Dios Espíritu Santo). La pareja de ancianos les brindó generosa hospitalidad. Habiendo aceptado el trato, Dios anunció un milagro a los esposos: a pesar de su profunda vejez, tendrán un hijo, y de él vendrá un pueblo grande y fuerte, y todos los pueblos del mundo serán benditos en él.

Autorretrato con Saskia (1636)

¡Todo el lienzo está impregnado de franco júbilo! El autorretrato muestra a los esposos en una alegre fiesta. Rembrandt, enorme en comparación con su delgada esposa, la sostiene sobre sus rodillas y levanta una copa de cristal de vino espumoso. Parecen ser tomados por sorpresa, en un ambiente íntimo rebosante de vida.

Rembrandt, con un rico traje militar con un tahalí dorado y un estoque en el costado, parece un dandy-raiter divirtiéndose con una chica. No le avergüenza que tal pasatiempo pueda considerarse una señal de mal gusto. Sólo sabe que su esposa es amada y, por lo tanto, hermosa con su lujoso ramillete, su falda de seda, su magnífico tocado y su precioso collar, y que todos deberían admirarla. No tiene miedo de parecer ni vulgar ni engreído. Vive en el reino de los sueños y la alegría, lejos de la gente, y no se le ocurre que se le pueda culpar. Y todos estos sentimientos son transmitidos por la expresión sencilla del rostro radiante del propio artista, que parece haber alcanzado todas las bendiciones terrenales.

La imagen expresa la alegría de vivir, la conciencia de la juventud, la salud y el bienestar.

novia judía (1665)

Rembrandt escribió mucho sobre los temas de las historias bíblicas, y todos ellos, a su manera, actualizados en contenido. A menudo pintaba cuadros contrarios a la lógica: iluminación, colores, todo era solo su propia idea. El artista muestra la misma independencia en la forma de vestir a sus personajes. Los vistió con atuendos extraños: Saskia, Juno y otros... Lo mismo ocurre con la pareja en la imagen "Novia judía". El nombre es extraño, porque el lienzo representa a una pareja casada y la esposa está embarazada. Sobre el fondo de un vago verdor, se adivina parte de la gran muralla y el paisaje urbano. Una pareja vestida de rojo y dorado se para frente a una pilastra. Dos rostros y cuatro brazos, el hombre se inclina hacia la mujer, cuya mirada se vuelve hacia sí misma, hacia sus pensamientos. Su mano derecha sosteniendo flores descansa sobre su estómago. En la cara: la seriedad confiada de la esposa, ocupada solo con la presencia de otra vida en sí misma. El hombre pone su brazo izquierdo alrededor de sus hombros. La mano derecha descansa sobre el vestido a la altura del pecho, donde la mano izquierda de la mujer entra en contacto con él. Los dedos se tocan entre sí. Tacto suave. El hombre mira la mano de la mujer tocando la suya.

Flora

Flora es la diosa italiana de las flores y la juventud. El culto de Flora es uno de los cultos agrícolas más antiguos de Italia, especialmente de los sabinos. Los romanos identificaban a Flora con la Cloris griega y celebraban en su honor la llamada floralia en primavera, durante la cual se desarrollaban alegres juegos, a veces adquiriendo un carácter desenfrenado. Las personas se decoraban a sí mismas y a los animales con flores, las mujeres se ponían vestidos brillantes. En el arte antiguo, se representaba a Flora como una mujer joven que sostenía flores o esparcía flores.

Frederick Riegel a caballo (1663)

Ante nosotros se encuentra un típico retrato ceremonial. Rigel era un próspero comerciante que producía papel e imprimía libros. Un rico impresor acompañó al Príncipe de Orange a Amsterdam en 1660, y es posible que el retrato se haya encargado para conmemorar este evento. Un hombre montado en un caballo nos mira desde un lienzo oscuro. Lleva ropa cara pero no demasiado lujosa. Su rostro irradia inteligencia, autoridad y respeto por sí mismo.

Cristo y el pecador

El lienzo representa el encuentro de Cristo y el pecador en un vasto espacio repleto de gente, cuya inmensidad se ve reforzada por los tramos arqueados de los muros, elevando el techo. Todo está sumido en la oscuridad, solo se ilumina la figura de Cristo y una mujer joven. En este lienzo, Rembrandt abordó por primera vez una solución poco convencional a la escena bíblica, que otros artistas imitarán con sorprendente consistencia.

Jacob luchando con un ángel (1659)

Uno de los episodios más misteriosos del Antiguo Testamento. Cuando Jacob se queda solo, aparece Alguien (es costumbre considerarlo un ángel) y pelea con él toda la noche. El ángel no logra vencer a Jacob, luego toca el tendón del muslo y lo daña. Sin embargo, Jacob sobrevive a la prueba y recibe un nuevo nombre: Israel, que significa "el que lucha con Dios y vencerá a los hombres". Por eso, en cierta medida, las posturas de Jacob y el ángel, más de abrazo que de lucha, son naturales y justificadas.

Ronda de noche (1642)

Este es un retrato grupal de Rembrandt "Discurso de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenburg". El cuadro fue pintado por orden de la Shooting Society, un destacamento de la milicia civil de los Países Bajos. En el siglo XVIII, el lienzo fue recortado por todos lados para que el cuadro cupiera en la nueva sala del museo. El lado izquierdo de la imagen fue el que más sufrió, donde desaparecieron dos flechas. (Incluso después de la circuncisión, la pintura es una de las más grandes del museo). La pintura fue objeto de intentos de dañar o destruir tres veces. El artista representó a los mosqueteros saliendo de un patio oscuro a través de un arco hacia una plaza bañada por el sol. Transmitió magistralmente el juego de luces y sombras, característico del estilo del gran Rembrandt. Representó el momento en que el capitán Kok dio la orden de hablar con el teniente Reitenburg y todo comenzó a moverse. El alférez despliega el estandarte, el tamborilero da el golpe, el perro le ladra, el niño sale corriendo. Incluso los detalles de la ropa de los tiradores se mueven en la imagen. Además de los 18 clientes del cuadro, el artista llenó el lienzo con dieciséis personajes más. El significado de estos caracteres, así como muchos símbolos en la imagen, solo los conoce el propio Rembrandt.

Cegamiento de Sansón

Sansón es el héroe de las tradiciones del Antiguo Testamento, dotado de una fuerza física increíble. Toda su vida se vengó de los filisteos por la traición de su novia el día de su boda. Ella era filistea, pero ahora su amante es la filistea Dalila. Los gobernantes filisteos la sobornaron para averiguar la fuente del poder de Sansón y dónde estaba su punto débil. Tres veces Dalila trató de averiguarlo con Sansón, y tres veces él la engañó, dándose cuenta de lo que ella estaba tratando de lograr. Pero aún así, al final, con la ayuda de trucos femeninos, Dalila lo convenció de su amor y devoción, y él le reveló que su fuerza lo abandonaría si le cortaban el cabello. Se lo contó a sus compatriotas y por la noche, cuando Sansón dormía, le cortaron el pelo. Al despertarse con el grito de Dalila "¡Los filisteos están sobre ti, Sansón!", - sintió que sus fuerzas lo abandonaban. Entonces los enemigos cegaron a Sansón, lo encadenaron y lo obligaron a mover las piedras de molino en la mazmorra de Gaza. Pero el cabello de Sansón volvió a crecer gradualmente y su fuerza volvió ... Para disfrutar de la humillación de Sansón, los filisteos lo llevan a un banquete en el templo de Dagón y lo obligan a divertir a la audiencia. Sansón le pide al muchacho que lo lleve a las columnas del templo para apoyarse en ellas. Habiendo ofrecido una oración a Dios, Sansón, sintiendo una vez más su fuerza, mueve los dos pilares del medio del templo, y con la exclamación "¡Que mi alma muera junto con los filisteos!", Derriba todo el edificio del templo sobre los reunidos. Entonces, en el momento de su muerte, Sansón mató a más enemigos que en toda su vida...

Fiesta de Belsasar (1635)

En la mitología bíblica, Belsasar fue el último rey de Babilonia, la caída de Babilonia está asociada a su nombre. A pesar del asedio de la capital, emprendido por Ciro, el rey y todos los habitantes, teniendo un rico suministro de alimentos, podían disfrutar descuidadamente de los placeres de la vida. Con motivo de una festividad menor, Belsasar organizó una magnífica fiesta, a la que fueron invitados hasta mil nobles y cortesanos. Los tazones de mesa eran vasos preciosos tomados por los conquistadores babilónicos de varios pueblos conquistados, entre otras cosas, y vasos caros del templo de Jerusalén. Al mismo tiempo, según la costumbre de los antiguos paganos, se glorificaba a los dioses babilónicos, que resultaron ser victoriosos antes y siempre serán victoriosos, a pesar de todos los esfuerzos de Ciro y sus aliados secretos, los judíos, con su Jehová. . Pero entonces, en medio de la fiesta, una mano humana apareció en la pared y lentamente comenzó a escribir algunas palabras. Al verla, "el rey cambió su rostro, sus pensamientos se confundieron, las ataduras de sus lomos se debilitaron y sus rodillas comenzaron a golpearse una contra la otra con horror". Los sabios convocados no supieron leer ni explicar la inscripción. Luego, por consejo de la reina, invitaron al anciano profeta Daniel, quien siempre mostró una sabiduría extraordinaria. Y realmente leyó la inscripción, que decía brevemente en arameo: "Mene, tekel, uparsin" Esto significaba: "Mene - Dios contó tu reino y le puso fin; tekel - fuiste pesado y hallado muy ligero; uparsin - tu el reino se divide y se entrega a los medos y persas". Esa misma noche, prosigue el relato bíblico, fue asesinado Belsasar, rey de los caldeos.

Retrato de Hendrickje Stoffels (c.1659)

Tras la muerte de Saskia, otra mujer entró en la vida de Rembrandt, una modesta sirvienta Hendrickje Stoffels, que alegró la soledad del amo. A menudo le escribía, pero en los títulos de las obras en las que ella servía de modelo, nunca mencionaba su nombre.

Retrato de Saskia vestida de pastora (1638)

En esta obra, el artista expresa su actitud hacia su esposa. Ella está representada en un lienzo oscuro rodeado de un brillo dorado. El rostro suave y encantador se congeló en una expresión de expectativa: en el momento de pintar, Saskia estaba embarazada de su primer hijo, que murió poco después de nacer. El pelo dorado le caía sobre los hombros desnudos. Se clava una rama de alguna planta en el aro que sostiene el cabello, como una pluma. Las mangas sueltas del vestido de casa forman pliegues intrincados. Con una mano se apoya en un bastón de vid, con la otra sostiene un montón de flores desmoronadas. En esta obra, el artista trasladó al lienzo todo ese sentimiento de felicidad que entonces lo embargaba.

Sindics (ancianos de la tienda de ropa) - (1661-1662)

El final en la historia del retrato grupal fue la representación de Rembrandt de los ancianos del taller del fabricante de telas, los llamados "Síndicos", donde por medio de medios tacaños, evitando la monotonía, el artista creó seres humanos vivos y al mismo tiempo diferentes. tipos, pero lo más importante, logró transmitir un sentido de unión espiritual, comprensión mutua e interconexión de personas, unidas por una causa y tareas.

La despedida de David a Jonatán (1642)

El rey judío Seúl buscó destruir al joven David, temiendo que tomara su trono. Advertido por su amigo, el príncipe Jonatán, el ganador de Goliat, David se despide de Jonatán en la piedra Azail (que significa en hebreo: despedida, separación). Jonatán es severo y contenido, su rostro está triste. David desesperado se aferra al pecho de su amigo, está desconsolado.

El sacrificio de Abraham (1635)

Los personajes del cuadro aparecen ante nosotros en ángulos complejos. Desde el cuerpo de Isaac, postrado en primer plano y que expresa la total impotencia de la víctima, la mirada del espectador se vuelve en profundidad hacia la figura del anciano Abraham y el mensajero de Dios, el ángel, surgiendo de las nubes. El artista transmitió penetrantemente el estado de ánimo de Abraham, quien, con la repentina aparición de un ángel, no tuvo tiempo de sentir ni la alegría de la liberación de un terrible sacrificio, ni la gratitud, pero hasta ahora solo siente fatiga y desconcierto.

Samson Riddles en la mesa de bodas (1637)

A Sansón le encantaba vagar por el campo y un día terminó en la ciudad de Timnat. Allí se enamoró de una majestuosa mujer filistea y deseaba casarse con ella. Corrió a casa y pidió a sus padres que cortejaran a su amada. Los ancianos se llevaban las manos a la cabeza horrorizados: su hijo ya les había causado mucho dolor, y ahora, además de todo, decidió casarse con una extranjera, hija de un filisteo. Sansón, sin embargo, se mantuvo firme. Los padres no tenían nada que hacer: suspirando profundamente, obedecieron los caprichos de su excéntrico hijo. Sansón se convirtió en novio y desde entonces iba a menudo a visitar a los padres de la novia. Un día, cuando Sansón caminaba rápidamente por el camino entre los viñedos, un joven león rugiente le bloqueó el camino. El hombre fuerte destrozó al león y, como si nada hubiera pasado, se fue a Timnat, sin contarle a nadie su aventura. Al regresar a casa, se sorprendió al ver que un enjambre de abejas anidaba en la boca de un león muerto y ya se había acumulado mucha miel. Sansón llevó los panales a sus padres sin decir una palabra de dónde los había sacado. En Fimnaf, el emparejamiento fue bien, hubo una gran fiesta, todos felicitaron a los novios y se fijó el día de la boda. Según la costumbre filistea, la celebración de la boda dura siete días. En la fiesta, los padres de la novia, temiendo la fuerza extraordinaria de Sansón, designaron a treinta jóvenes filisteos fuertes como compañeros de matrimonio para él. Samson, mirando a los "guardias" con una sonrisa, sugirió que resolvieran el acertijo. Había que solucionarlo al final de la boda, al séptimo día. El acertijo decía así: "Del devorador salió algo para comer, y del fuerte salió algo dulce". Por supuesto, nadie pudo resolver este acertijo, porque nadie sabía que estamos hablando sobre abejas comiendo néctar (las abejas están "comiendo"), sobre miel ("comiendo") y sobre un león fuerte. Al mismo tiempo, Sansón puso condiciones: si se soluciona, recibirán 30 camisas como mucho del vestido de arriba, y si no, le pagarán lo mismo. Los desconcertados filisteos reflexionaron sobre este extraño enigma durante tres días. Desesperados, acudieron a su joven esposa y la amenazaron con que si ella no averiguaba la respuesta al acertijo de su esposo, se quemarían a sí mismos y a la casa de su padre. Los filisteos realmente no querían pagarle a Sansón una gran suma. Con astucia y bondad, la esposa descubrió de su esposo la respuesta al acertijo, y al día siguiente los filisteos dieron la respuesta correcta. El enfurecido Sansón no tenía nada que hacer más que pagar la deuda acordada, y sus padres eran muy pobres. Luego mató a 30 filisteos y les dio sus ropas como deuda. El mismo Sansón, al darse cuenta de lo que traicionó su esposa, cerró la puerta y regresó con sus padres.

El ciego Tobit y Anna (1626)

Tobit es un israelí, distinguido por la rectitud en su país natal y no abandonó el piadoso gobierno asirio y, en general, sobrevivió a una serie de pruebas, incluida la ceguera, que terminó para él y su descendencia con la bendición total de Dios. Su hijo, Tobías, sanó con la ayuda de un ángel.

Sagrada Familia (1635)

La trama es del Evangelio, pero el artista describe cómo es la vida de la gente común. Solo los ángeles que descienden en el crepúsculo de una vivienda pobre nos recuerdan que esta no es una familia común. El gesto de la mano de la madre, echar hacia atrás el dosel para mirar al niño dormido, la concentración en la figura de José, todo está profundamente pensado. La simplicidad de la vida y la apariencia de las personas no hacen que la imagen sea mundana. Rembrandt sabe cómo ver en la vida cotidiana no lo mezquino y ordinario, sino lo profundo y duradero. El silencio apacible de la vida laboral, la santidad de la maternidad emana de este lienzo.

Betsabé (1654)

Según la Biblia, Betsabé era una mujer de rara belleza. El rey David, caminando sobre el techo de su palacio, vio a Betsabé bañándose abajo. Su esposo, Urías, está fuera de casa en ese momento, sirviendo en el ejército de David. Betsabé no trató de seducir al rey. Pero David fue seducido por la belleza de Betsabé y ordenó que la trajeran al palacio. Como resultado de su relación, quedó embarazada y dio a luz a un hijo, Salomón. Más tarde, David escribió al comandante del ejército donde peleó Urías, una carta en la que ordenaba poner a Urías donde "será la batalla más fuerte, y retirarse de él para que sea derribado y muera". De hecho, sucedió, y David posteriormente se casó con Betsabé. Su primer hijo vivió solo unos pocos días. Más tarde, David se arrepintió de su acción. con todo tu posición alta Betsabé, la más amada de las esposas de David, tomó un lugar en las sombras y se comportó de manera digna. David coronó rey a Salomón, hijo de Betsabé. Betsabé era una mujer sabia y siempre esperó en Dios. En relación con David, se convirtió en una esposa fiel y amorosa y una buena madre para sus hijos: Salomón y Natán.

Juno

El artista representó a Saskia, su esposa, como Juno. Juno es la antigua diosa romana del matrimonio y el nacimiento, la maternidad de las mujeres y la fuerza productiva femenina. La patrona de los matrimonios, la guardiana de la familia y los decretos familiares. El principal atributo de esta diosa es un velo, una diadema, un pavo real y un cuco. Rembrandt tiene un pavo real en la esquina inferior izquierda de la imagen.

La esposa de Potifar acusa a José (1655)

La historia del patriarca bíblico José se cuenta en el libro de Génesis. Incluso en el hogar paterno de Jacob y Raquel, su amado hijo José aparece como un soñador. El padre destaca a José entre los hermanos, y ellos, celosos de su posición especial y su hermosa ropa, venden a José como esclavo a los caravaneros que se dirigen a Egipto. En Egipto, José sirve como esclavo del rico noble Potifar, el jefe de los guardaespaldas del faraón. Potifar le confía a José toda su casa, pero la esposa de Potifar invade su castidad y José huye, dejando su ropa en manos de la mujer. La esposa de Potifar, habiéndose enamorado de José, y no habiendo logrado reciprocidad, lo acusa de violación. En la prisión adonde José fue enviado, el panadero y el copero del rey están con él. José interpreta sus sueños, según los cuales el panadero será ejecutado y el copero será perdonado después de tres días. La profecía de José se está cumpliendo, y el copero se acuerda de él cuando a los sacerdotes egipcios les cuesta interpretar el sueño del Faraón sobre siete vacas gordas devoradas por siete flacas y sobre siete buenas espiguillas devoradas por las flacas. José, llamado a salir de prisión, interpreta el sueño como un presagio del hecho de que después de los próximos siete años de una buena cosecha, vendrán siete años de cosechas severas. Aconseja al faraón que designe a una persona de confianza para crear suministros para la época de hambruna. Faraón nombra a José como confidente, lo favorece con su anillo, le da un nombre egipcio y como su esposa: la egipcia Aseneth, hija de un sacerdote de Heliópolis.

Mujer bañándose en un arroyo

En la pintura, Rembrandt abandonó por completo el ideal clásico del desnudo. figura femenina. Aquí representó a Hendrickje, su segunda esposa, desnudándose antes de bañarse, contrariando todos los cánones de belleza. Una túnica dorada yace a la orilla del agua, y una hermosa joven, levantándose tímidamente la camisa, entra agua fría. Parece emerger de la oscuridad parda, su timidez y pudor se leen tanto en el rostro ligeramente pintado como en las manos que sostienen la camiseta.

Alegoría de la música (1626)